Что классики считали идеалом в искусстве: Что классики считали идеалом в искусстве?…

Содержание

что где когда, суть классицизма, история развития в живописи, примеры классических картин. Великие художники-классицисты, характерные особенности и черты эпохи европейского, русского и французского классицизма и отличия от барокко

Updated:

Классицизм (Classicisme) — это широкое эстетическое направление в искусстве, оказавшее влияние на живопись, архитектуру, скульптуру, литературу и театр XVII-XIX веков. Эстетика классицизма легла в основу одноименного художественного стиля. Значение его для развития европейской культуры столь высоко, что говорят о целой эпохе классицизма. Название пришло из французского языка (classicisme). Термин образован от латинского слова classicus, что означает «образцовый».

Классицизм как стиль сформировался во Франции в XVII столетии, где и получил наивысшее развитие. Но свои классицисты были и в других странах — это направление приобрело европейскую значимость. Особой формой считается русский классицизм, возникший при Екатерине II. Поскольку в Европе в это время уже наступила эпоха неокласицизма, русскую ветвь также иногда относят к неоклассицистической.

Характерные черты классицизма

Художники-классицисты, как и живописцы Возрождения, видели идеал в античном искусстве. Их творчество во многом стало реакцией на сменившие ренессансные традиции маньеризм и барокко. Мастера-классицисты вернулись к простоте и гармонии Возрождения, усилив рациональное начало.

Особенности этого стиля:

  • ориентация на каноны античного искусства;
  • строгие пропорции, стройность композиции;
  • тяга к симметрии, упорядоченности;
  • геометрическая простота и чёткость линий, форм;
  • опора на логику;
  • гармония, недопустимость диссонансов и хаотичности;
  • следование строгим правилам и канонам, положенным в основу живописной и эстетической системы;
  • стремление к изображению людей гармонично развитыми, близкими к анатомическому идеалу;
  • выбор высоких, вечных тем.

Классицизм и барокко — непримиримые антиподы

Нетрудно заметить, что классицизм — прямая противоположность барокко. Классицисты отвергали барочную эстетику с её хаотичностью и экспрессией. Их искусство холодно и рассудочно. У художников-классицистов разум доминирует над чувствами, строгий идеал противопоставляется причудливости барочных форм. В барокко высок накал драматизма, порой доходящий до болезненности, а в эстетике есть место страшному и чудовищному. В классицизме — ничего подобного. У людей на картинах — скульптурные формы, композиции уравновешенны, а драматизм напоминает театральную декламацию «высоким штилем».

Классицизм и барокко длительное время существовали бок о бок, представляя собой два полюса европейского искусства.

Жанровая иерархия классицизма

Для классицистической традиции характерно разделение жанров на высокие и низкие. Этот принцип наблюдался и в живописи, и в литературе, и в драматургии. Считалось недопустимым смешивать жанровые элементы.

К высоким жанрам относили исторический, мифологический и религиозный. В подобных сюжетах часто звучат героические мотивы, а сопоставить их можно с одой у литераторов и трагедией у драматургов. К низким были отнесены натюрморт, пейзаж и портрет. Такие сюжеты считались менее значимыми, бытовыми.

Великие имена эпохи классицизма

Основоположником стиля считается французский художник Никола Пуссен (Nicolas Poussin), чьи картины на темы истории и мифологии (в основном связанные с античностью) отличаются поразительной геометрической точностью композиции и взвешенной колористической гармонией.

Большую известность получили пейзажи другого француза — Клода Лоррена (Claude Lorrain), прославившегося изображением окрестностей вечного города — Рима. Эти пейзажи называют антиквизированными, поскольку Лоррен подавал виды через историческую призму.

Новый художественный язык прекрасно подошёл для восхваления абсолютистской монархии, поэтому Версаль при короле-«солнце» Людовике XIV благосклонно отнёсся к модной живописной манере. На этом поприще особенно проявил себя придворный живописец Шарль Лебрён (Charles Le Brun).

А во второй половине XVIII века, благодаря открытию фресок во время раскопок Помпей, наступила эра неоклациссизма. Стиль обрёл новое дыхание, а его главным представителем стал Жак-Луи Давид (Jacques-Louis David) со своими драматично-лаконичными полотнами, полными трагики и героики.

Русский классицизм

Традиции классицизма пришли в Россию во второй половине XVIII века, в эпоху новой волны европеизации, связанной с деятельностью императрицы Екатерины Великой. Наиболее известные фигуры среди русских художников-классицистов:

Прекрасное представление о творчестве в этом стиле даёт парадный портрет «Екатерина II в виде Законодательницы в храме богини Правосудия» Дмитрия Левицкого.

Следует отметить, что многие русские классицисты вплетали в свои работы ноты романтизма. Выразительный пример — «Последний день Помпеи» Карла Брюллова.

Классицизм как художественный стиль

Классицизм как художественный стиль

Оглавление

Введение

. Характеристика классицизма как направления в искусстве

. Особенности классицизма в музыке

Заключение

Список литературы

Введение

классицизм искусство музыка

Классицизм в музыке отличался от классицизма смежных видах искусств. Содержание музыкальных сочинений связано с миром чувств человека, которые не поддаются жесткому контролю разума. Однако композиторы этой эпохи создали очень стройную и логическую систему правил построения произведения. В эпоху классицизма сформировались и достигли совершенства такие жанры как опера, симфония, соната.

Актуальность работы заключается в рассмотрении взаимосвязи господствующего направления в искусстве и тенденций в музыке эпохи классицизма.

Цель работы заключается в изучении классицизма и его проявления в музыке.

Достижение цели предполагает решение ряда задач:

) дать характеристику классицизма как направления в искусстве;

) изучить особенности классицизма в музыке.

Основываясь на представлениях о закономерности, разумности мирового устройства, мастера классицизма стремились к ясным и строгим формам, гармоничным образцам, воплощению высоких нравственных идеалов. Высшими, непревзойденными образцами художественного творчества они считали произведения античного искусства, поэтому разрабатывали античные сюжеты и образы.

1. Характеристика классицизма как направления в искусстве

Классицизм ? художественное направление в искусстве и литературе XVII ? начала XIX вв. Он во многом противостоял барокко с его страстностью, изменчивостью, противоречивостью, утверждая свои принципы.

В основе классицизма лежат идеи рационализма, которые формировались одновременно с таковыми же в философии Декарта. Художественное произведение, с точки зрения классицизма, «должно строиться на основании строгих канонов, тем самым обнаруживая стройность и логичность самого мироздания» [6; с. 58]. Интерес для классицизма представляет только вечное, неизменное — в каждом явлении он стремится распознать только существенные, типологические черты, отбрасывая случайные индивидуальные признаки. Эстетика классицизма придаёт огромное значение общественно-воспитательной функции искусства. Многие правила и каноны классицизм берет из античного искусства (Аристотель, Гораций).

Классицизм устанавливает строгую иерархию жанров, которые делятся на высокие (ода, трагедия, эпопея) и низкие (комедия, сатира, басня). Каждый жанр имеет строго определённые признаки, смешивание которых не допускается.

Появился классицизм во Франции. В формировании и развитии этого стиля можно выделить два этапа. Первый этап относится к XVII веку. Для классиков этого периода непревзойденными образцами художественного творчества были произведения античного искусства, где идеалом являлся порядок, разумность, гармония. В своих произведениях они добивались красоты и истины, ясности, стройности, законченности построения. Второй этап ? XVIII век. В историю европейской культуры он вошел как эпоха Просвещения или Век Разума. Человек придавал большое значение знаниям и верил в способность объяснить мир. Главным героем является личность, готовая на героические поступки, подчиняя свои интересы ? общим, душевные порывы — голосу разума. Его отличает нравственная стойкость, мужество, правдивость, верность долгу. Рациональная эстетика классицизма нашла отражение во всех видах искусства.

Архитектуре этого периода свойственна упорядоченность, функциональность, соразмерность частей, тяготение к уравновешенности и симметрии, ясность замыслов и построений, строгая организованность. С этой точки зрения символом классицизма служит геометрическая планировка королевского парка в Версале, где деревья, кустарники, скульптуры и фонтаны располагались по законам симметрии. Эталоном русской строгой классики стал Таврический дворец, возведенный И. Старовым.

В живописи главное значение приобрели логическое развертывание сюжета, ясная уравновешенная композиция, четкая передача объема, с помощью светотени подчиненная роль цвета, использование локальных цветов (Н. Пуссен, К. Лоррен, Ж. Давид).

В поэтическом искусстве произошло деление на «высокие» (трагедия, ода, эпопея) и «низкие» (комедия, басня, сатира) жанры. Выдающиеся представители французской литературы П. Корнель, Ф. Расин, Ж.Б. Мольер оказали большое влияние на формирование классицизма в других странах.

Важным моментом этого периода было создание различных академий: наук, живописи, скульптуры, архитектуры, надписей, музыки и танца.

Художественный стиль классицизм (от лат. classicus ? «образцовый») возник в XVII столетий во Франции. Основываясь на представлениях о закономерности, разумности мирового устройства, мастера этого стиля «стремились к ясным и строгим формам, гармоничным образцам, воплощению высоких нравственных идеалов» [3; с. 113]. Высшими, непревзойденными образцами художественного творчества они считали произведения античного искусства, поэтому разрабатывали античные сюжеты и образы. Классицизм во многом противостоял барокко с его страстностью, изменчивостью, противоречивостью, утверждая свои принципы в разных видах искусства, в том числе и в музыке. В опере XVIII в. классицизм представлен произведениями Кристофа Виллибальда Глюка, создавшего новую трактовку этого вида музыкальнодраматического искусства. Вершиной в развитии музыкального классицизма стало творчество Йозефа Гайдна,

Вольфганга Амадея Моцарта и Людвига ван Бетховена, работавших преимущественно в Вене и образовавших направление в музыкальной культуре второй половины XVIII ? начала XIX столетия ? венскую классическую шкалу.Классицизм в музыке во многом не похож на классицизм в литературе, театре или живописи. Б музыке невозможно опираться на античные традиции ? они почти неизвестны. Кроме того, содержание музыкальных сочинений часто связано с миром чувств человека, которые не поддаются жёсткому контролю разума. Однако композиторы венской школы создали очень стройную и логичную систему правил построения произведения. Благодаря такой системе самые сложные чувства облекались в ясную и совершенную форму. Страдания и радости становились для композитора предметом размышления, а не переживания. И если в других видах искусства законы классицизма уже в начале XIX в. многим казались устаревшими, то в музыке система жанров, форм и правил гармонии, разработанная венской школой, сохраняет своё значение до сих пор.

2. Особенности классицизма в музыке

Классицизм в музыке отличался от классицизма смежных видах искусств. Содержание музыкальных сочинений связано с миром чувств человека, которые не поддаются жесткому контролю разума. Однако композиторы этой эпохи создали очень «стройную и логическую систему правил построения произведения» [2; с. 174]. В эпоху классицизма сформировались и достигли совершенства такие жанры как опера, симфония, соната.

Настоящей революцией стала оперная реформа Кристофа Глюка. Его творческой программой были три великих принципа ? простота, правда, естественность. В музыкальной драме он искал смысла, а не сладкоголосия. Из оперы Глюк убирает все лишнее: украшения, пышные эффекты, дает поэзии большей выразительной силы, а музыка полностью подчиняется раскрытию внутреннего мира героев. Опера «Орфей и Эвридика» была первым произведением, в котором Глюк осуществил новые идеи и положил начало оперной реформе. Строгость, соразмерность формы, благородная простота без вычур, чувство художественной меры в сочинениях Глюка напоминает гармоничность форм античной скульптуры. Арии, речитативы, хоры образуют большую оперную композицию.

Расцвет музыкального классицизма начался во второй половине XVIII века в Вене. Австрия в то время была могущественной империей. Многонациональность страны сказалась и на художественной культуре. Высшим выражением классицизма стало творчество Йозефа Гайдна, Вольфганга Амадея Моцарта, Людвига ван Бетховена, которые работали в Вене и образовали направление в музыкальной культуре ? венскую классическую школу.

Гайдна называют «основателем классической инструментальной музыки, родоначальником современного симфонического оркестра и отцом симфонии» [4; с. 238]. Он установил законы классической симфонии: придал ей стройный, законченный вид, определил порядок их расположения, который сохранился в основных чертах до наших дней. Классическая симфония имеет четырехзначный цикл. Первая часть идет в быстром темпе и звучит чаще всего энергично, взволнованно. Вторая часть ? медленная. Ее музыка передает лирическое настроение человека. Третья часть ? менуэт ? один из любимых танцев эпохи Гайдна. Четвертая часть ? финал. Это итог всего цикла, вывод из всего, что было показано, продумано, прочувствовано в предыдущих частях. Музыка финала обычно устремлена вверх, она жизнеутверждающая, торжественная, победная. В классической симфонии найдена идеальная форма, способная вместить очень глубокое содержание.

В творчестве Гайдна устанавливается и тип классической трехчастной сонаты. Произведениям композитора присущи красота, порядок, тонкая и благородная простота. Его музыка очень светлая, легкая, в основном мажорная, полна бодрости, чудесной земной радости и неисчерпаемого юмора.

Искусство Гайдна оказало громадное воздействие на формирование симфонического и камерного стиля Моцарта. Опираясь на его достижения в области сонатно-симфонической музыки Моцарт внес много нового, интересного, оригинального. Вся история искусства не знает личности более поразительной, чем он. Моцарт обладал феноменальной памятью и слухом, имел блестящие данные импровизатора, прекрасно играл на скрипке и органе, а его первенство как клавесиниста не мог оспаривать никто. Он был самым популярным, самым признанным, самым любимым музыкантом Вены. Огромную художественную ценность составляют его оперы. Уже два столетия пользуются успехом «Свадьба Фигаро» и «Дон Жуан», поражающие обаятельно изящной мелодией, простотой, роскошной гармонией. А «Волшебная флейта» вошла в историю музыки как «лебединая песня» Моцарта, как произведение с наибольшей полнотой и яркостью раскрывающее его мировоззрение, его заветные мысли, как эпилог целой жизни, как некое грандиозное художественное завещание. «Искусство Моцарта совершенное по мастерству и абсолютно естественное. Он подарил мудрость, радость, свет и добро» [5; с. 271].

Бетховен прославился как величайший симфонист. Его искусство пронизано пафосом борьбы. Оно претворило передовые идеи эпохи Просвещения, утвердившего права и достоинства человеческой личности. Ему принадлежат девять симфоний, ряд симфонических увертюр («Эгмонт», «Кориолан»), а тридцать две фортепианные сонаты составили эпоху в фортепианной музыке. Мир образов Бетховена разнообразен. Его герой не только смелый и страстный, он наделен тонко развитым интеллектом. Он борец и мыслитель. В музыке Бетховена жизнь во всем ее разнообразии ? бурные страсти и отрешенная мечтательность, драматическая патетика и лирическая исповедь, картины природы и сцены быта. Завершая эпоху классицизма, Бетховен одновременно открывал дорогу грядущему веку.

Классицизм ? стиль исторически определенной эпохи. Но его идеал гармонии и соразмерности остается и поныне образцом для последующих поколений.

Заключение

Классицизм ? художественное направление в искусстве и литературе XVII ? начала XIX вв. Он во многом противостоял барокко с его страстностью, изменчивостью, противоречивостью, утверждая свои принципы.

В основе классицизма лежат идеи рационализма, которые формировались одновременно с таковыми же в философии Декарта. Художественное произведение, с точки зрения классицизма, должно строиться на основании строгих канонов, тем самым обнаруживая стройность и логичность самого мироздания.

Основываясь на представлениях о закономерности, разумности мирового устройства, мастера этого стиля стремились к ясным и строгим формам, гармоничным образцам, воплощению высоких нравственных идеалов. Высшими, непревзойденными образцами художественного творчества они считали произведения античного искусства, поэтому разрабатывали античные сюжеты и образы.

Классицизм в музыке отличался от классицизма смежных видах искусств. Содержание музыкальных сочинений связано с миром чувств человека, которые не поддаются жесткому контролю разума. Однако композиторы этой эпохи создали очень стройную и логическую систему правил построения произведения. В эпоху классицизма сформировались и достигли совершенства такие жанры как опера, симфония, соната.

Настоящей революцией стала оперная реформа Кристофа Глюка. Его творческой программой были три великих принципа ? простота, правда, естественность. В музыкальной драме он искал смысла, а не сладкоголосия. Из оперы Глюк убирает все лишнее: украшения, пышные эффекты, дает поэзии большей выразительной силы, а музыка полностью подчиняется раскрытию внутреннего мира героев.

Список литературы

1. Алиев, Ю.Б. Настольная книга школьного учителя-музыканта / Ю.Б. Алиев. ? М.: ВЛАДОС, 2000. ? 336 с.

. Жабинский, К.А. Энциклопедический музыкальный словарь / К.А. Жабинский. ? М.: Феникс, 2009. ? 474 с.

. Ильина, Т.В. История искусств. Западноевропейское искусство / Т.В. Ильина. — М.: Высшая школа, 2000. — 368 с.

. Минакова, А.С. Минаков, С.А. История мировой музыки: Жанры. Стили. Направления / А.С. Минакова, С.А. Минаков. ? М.: Эксмо, 2010. ? 544 с.

. Петкова, С.М. Справочник по мировой культуре и искусству / С.М. Петкова. — Ростов-на-Дону: Феникс, 2007 — 507 с.

. Рескин, Дж. Лекции об искусстве / Дж. Рескин. — М.: Б.С.Г.-Пресс, 2006. — 319 с.

. Холопова, В.Н. Теория музыки: Мелодика, ритмика, фактура, тематизм / В.Н. Холопова. ? М.: Лань, 2002. ? 368 с.


Классики русского феминизма – Еженедельный «Ъ» – Коммерсантъ

День казни Жанны д’Арк, 30 мая, отмечается как Международный день феминизма.

Российская история эмансипации покороче, а первыми заметными борцами за права женщин у нас были мужчины, причем литераторы.

МАРИЯ БАШМАКОВА

Осенним днем 1860 года в IX аудиторию Санкт-Петербургского университета вошла невысокая барышня в черном платье. Девушку торжественно вел под руку ректор, а сопровождал профессор, Константин Кавелин: студенты-юристы второго курса ждали его лекцию. Так в аудиторию вошла Наталья Корсини, дочь архитектора Иеронима Корсини. Событие было столь торжественно, сколь диковинно — ранее в университете девушки лекций не посещали.

Вслед за Корсини в университете появились и другие барышни, одна из них, Надежда Суслова (сестра роковой Аполлинарии, возлюбленной Достоевского, а впоследствии — жены Розанова, о которой речь еще пойдет ниже) стала первой женщиной в Европе, получившей высшее медицинское образование.

— Женщины обучаться в университете в царской России не могли,— поясняет Ирина Юкина, кандидат социологических наук, автор книги «Русский феминизм». — В университетском уставе дамы вообще не упоминались: в голову никому не приходило, что они придут учиться. Девушки могли быть только вольнослушательницами, без всяких прав и какого-либо официального статуса. В университетах в принципе не было женщин. Весь обслуживающий персонал состоял из мужчин. Следовательно, не было и дамских комнат. Официально женщины в России получили право быть зачисленными в университет только с 1914 года. А до этого желавшие получить образование барышни уезжали в Европу: во второй половине XIX века русские девушки стабильно составляли большинство среди всех студенток в европейских университетах.

Женские врачебные курсы открылись в России 1873 году, Высшие женские Бестужевские курсы — в 1878-м. Правда, дипломов эти курсы не давали — путь российских женщин к праву на образование, труд, общественную деятельность и свободу личной жизни только начинался.

Новые люди

На распространение идей эмансипации в стране повлияла в числе прочего и Крымская война 1853–1856 годов.

Вместе с хирургом Николаем Пироговым на фронт отправились 32 сестры милосердия, подготовленные и обученные Крестовоздвиженской общиной. В статье «Вопросы жизни» Пирогов подчеркивал, что неправильно отстранять дам от участия в жизни общества.

— Женщины были для него серьезным социальным резервом,— поясняет Ирина Юкина.— Предлагаемый Пироговым новый идеал женщины: жена — активная спутница мужчины и мать, воспитывающая детей на высоких гражданских идеалах.

В 1855-м умер Николай I. К власти пришел Александр II. Наступили «мятежные шестидесятые», вопросов накопилось немало. Новое время формировало «новых людей», новый тип женщины и по-новому смотрело на ее место в обществе и отношения между полами. 3 марта (19 февраля по ст.ст.) 1861 года 1861 года Александр II подписал манифест об отмене крепостного права.

В середине XIX века по правам женщины мало чем отличались от крепостных крестьян: незамужняя девушка зависела от воли родителей, замужняя дама — от мужа.

Женщина в России до 21 года не имела права на отдельный вид на жительство без разрешения отца (в случае его смерти — матери либо опекуна) или мужа.

Брак был церковным, и поэтому развод становился крайне сложной процедурой, а причиной для него могли стать только два основания: измена одного из супругов или ее (его) неспособность к деторождению (в этом случае половое соитие считалось греховным, потому что не оправдывалось рождением детей). Ирина Юкина уточняет: мужчину во второй половине XIX века обвинить в прелюбодеянии можно было, только если у него имелся внебрачный ребенок; для женщины было достаточно факта измены. Из родительского наследства дочери получали одну четырнадцатую часть движимого имущества и одну восьмую недвижимого; остальное поровну делилось между сыновьями. Для поступления на учебу и устройства на работу женщине требовалось письменное согласие отца или мужа.

После отмены крепостного права, с обретением крестьянами свободы, привычный уклад жизни помещиков стал рушиться. Разорение дворянских семей заставляло одиноких женщин искать возможности заработка. Молодые дамы хлынули в Петербург в надежде на чудо: мечтали учиться на курсах, чтобы потом найти работу.

Однако реальность оказалась жестокой. Столица не справилась с наплывом провинциальных барышень, желающих получить образование или найти работу гувернантки. Судьбу образованной бесприданницы весьма убедительно показал в «Преступлении наказании» Достоевский на примере Дуни Раскольниковой, ставшей гувернанткой, но из-за домогательств и скандала потерявшей место. Участь такой девушки — пойти в содержанки или монастырь. Нищей дворянке Дуне повезло — она вышла замуж по любви за недоучившегося студента прогрессивных взглядов и с идеалами.

О чем писали «Современник» и «Колокол»

Об идеалах и женском вопросе рассуждали газеты и толстые журналы разных политических направлений. «Новые люди» читали радикальный «Современник», Некрасова. Тон задавала разночинная интеллигенция: требовала перемен. К разночинцам прислушивались образованные современники обоего пола.

«Колокол» Александра Герцена (нелегальную бесцензурную газету, выходившую за границей с 1857 по 1867 год; тираж доходил до 2500 экземпляров) читали даже при дворе. Елена Штакеншнейдер — дочь придворного архитектора и приятельница Федора Достоевского — в 1857 году признавалась в дневнике: «Я однажды отважилась сказать своим подругам, что не люблю Некрасова; что не люблю Герцена — не отважилась бы». Первым в России сформулировал наболевший женский вопрос прозаик, поэт и публицист Михаил Михайлов.

В 1860-м он написал нашумевшую статью «Женщины, их воспитание и значение в семье и обществе» для «Современника». Статьи Михайлова «произвели в русских умах землетрясение», свидетельствовал публицист Николай Шелгунов.

— Концепт женщины, поднимаемый мужчиной до своего уровня,— Галатеи — и концепт мужчины — ваятеля Пигмалиона — вполне соответствовал уровню понимания «женского вопроса» и путей его решения российской общественностью 1850–1860-х годов. Именно с этих позиций в 1859–1862 годы артиллерийский офицер и журналист Валериан Кремпин создал первый «идейный» журнал наук, искусств и литературы для взрослых девиц «Рассвет»,— поясняет Ирина Юкина.

Михайлов первым поставил вопрос о социализации женщины: «Только коренное преобразование женского воспитания, общественных прав женщины и семейных отношений представляется мне спасением от нравственной шаткости, которою, как старческою немочью, больно современное общество».

Говорил Михайлов и о праве, равном с мужчиной, на труд, образование и общественную деятельность.

Утверждения «женщина — тоже человек» и «женщины права имеют» очень понравились демократам, стремившимся видеть рядом подругу умную и сочувствующую прогрессивным идеям.

Что примечательно, у первых «феминистов»-публицистов в России — Дмитрия Писарева, Михаила Михайлова и Николая Чернышевского — были весьма запутанные отношения с женщинами: гражданские браки, внебрачные дети и сложности с другими поклонниками своих избранниц.

Женский вопрос в русской литературе

«Женщина играла в этих спорах очень важную роль; теоретически ей предоставлялась роль высшего существа, предназначением которого было пересоздать мужчину. Среди табачного дыма и за стаканами вина решались вопросы, как женщина должна любить: то от нее ждали любви по Шиллеру, то она должна была чувствовать по Гегелю, то ей рекомендовалось проникнуться настроениями Жорж Санд. И все это предъявлялось одному и тому же женскому поколению на очень коротком промежутке времени в одинаково безусловной догматической форме»,— писал историк и публицист Павел Милюков в книге «Любовь у идеалистов тридцатых годов».

Молодой Виссарион Белинский полагал, что «женщина-писательница бездарная смешна и отвратительна». Но в начале 1840-х годов провозгласил Жорж Санд писательницей гениальной. Александр Герцен вопрос поставил ребром — в романе 1846 года «Кто виноват». Речь там шла о положении женщины в семье и обществе, социальном неравенстве. Николай Чернышевский подхватил тему, отозвавшись в романе «Что делать?», а Дмитрий Писарев подвел итог в статье «Женские типы в романах и повестях Писемского, Тургенева и Гончарова»: «Мужчина гнетет женщину и клевещет на нее. .. Мужчина, постоянно развращающий женщину гнетом своего крепкого кулака, в то же время постоянно обвиняет ее в ее умственной неразвитости, в отсутствии тех или других высоких добродетелей, в наклонности к тем или другим преступным слабостям… женщина ни в чем не виновата. Она постоянно является страдалицей, жертвой».

В 1862 году вышли «Отцы и дети». Прогрессивные читатели обиделись. Автор проехался не только по нигилистам-материалистам — он в красках изобразил убежденную провинциальную эмансипе Евдоксию Кукшину. Неопрятная и нелепая, она взахлеб рассуждает об умственном, смешивая роли интеллектуалки и жеманной кокетки.

Чернышевский ответил господину Тургеневу сразу по всем пунктам, описав идеологию новых людей в романе «Что делать?» в 1863 году. «По моим понятиям,— пишет Чернышевский в дневнике,— женщина занимает недостойное место в семействе. Меня возмущает, кроме того, неравенство. Женщина должна быть равна мужчине. Но когда палка долго искривлена в одну сторону, чтобы выпрямить ее, должно много перегнуть на другую сторону. Так и теперь: женщины ниже мужчин. Каждый порядочный человек обязан ставить свою жену выше себя — этот временный перевес необходим для будущего равенства».

Чернышевского считали пророком молодого поколения. Он превозносил женщину как создание, требующее уважения, заботы и деликатности от мужчины.

О чем и написал в романе. «Реалистическая эстетика, декларировав принцип отличия искусства от действительности, вызвала экспансию литературы в жизнь»,— отмечает парадокс филолог Ирина Паперно.

Чернышевский восхищался своей легкомысленной женой, хотя не раз утверждал, что вовсе не влюблен в супругу, а только «уважает». Однако «уважение» не позволяло уклониться от программы верности жене, которая при этом обладала свободой чувства и поведения.

Писательница и мемуаристка Татьяна Богданович в книге «Любовь людей шестидесятых годов» восторженно вспоминает, что «громадное большинство» читателей приняло новое учение как новую религию. Дворянка по рождению, сама она окончила историко-филологическое отделение Бестужевских курсов в 1896 году.

С выходом романа «Что делать?» женщины, вспоминает Елизавета Водовозова в книге «На заре жизни», стали стремиться к самостоятельному заработку, высшему образованию и вести борьбу за свое освобождение, уравнение прав с мужчинами. И уточняет: о политической же равноправности тогда не могло быть и речи. Но прежде на гувернанток или компаньонок смотрели свысока — в шестидесятые годы с трудящимися женщинами уже искали знакомства, а праздных презирали.

Впрочем, не все успевали за молодежью. «Читаю роман Черныш. Господи, как гнусно написано, сколько кривлянья … Мысли есть прекрасные, даже положения — и все полито из семинарски-петербургски-мещанского урыльника»,— писал Герцен в письме из Ниццы Николаю Огареву в 1867-м.

Брак свободного человека

«Что делать?» — социальная утопия, в основе сюжета которой, как известно, лежит сложная любовная история. Юная Вера Павловна пытается спастись от деспотизма матери, рвущейся выдать ее против воли замуж за распутного богатого жениха. На помощь Вере приходит учитель ее брата — студент-медик Лопухов: он не только с ней читает, пытается найти барышне работу, но и — главное, что может сделать порядочный новый мужчина для девушки из патриархальной семьи,— он женится на Вере Павловне фиктивно, не претендуя на супружеские права, но обеспечивая жену. Лопухов бросает медицину и устраивается управляющим на завод. А Вера Павловна организует швейную коммуну для девушек-работниц. Живут супруги в разных комнатах, а нарушается идиллия, когда Вера Павловна влюбляется в друга своего мужа Кирсанова… Кончается все социальной и романтической идиллией людей, поселяющихся в общем доме.

На самом деле Чернышевский не фантазировал, а наблюдал. Сюжет про Лопуховых и Кирсанова очень напоминает историю хорошо знакомых автору доктора Петра Бокова и его жены Марии Обручевой. Она фиктивно вышла замуж за Бокова, чтобы получить образование, а позже сошлась с врачом Иваном Сеченовым. Впрочем, Татьяна Богданович пишет, что именно их история стала канвой для «Что делать?», поясняя: «Ни Чернышевский не скопировал роман с жизни, ни жизнь не украла у него тему». Когда Сеченов, не порывая со своим другом Боковым, соединился с его женой, это казалось чудовищным. Богданович пишет, что Сеченова считали «либералом» и шарахались от него. А сам Иван Михайлович не только личным примером демонстрировал широту взглядов, но и пропагандировал женское образование и равноправие женщины с мужчиной.

«Тройственные союзы, гражданский брак казались аморальными консерваторам, готовым содержать любовницу или платить проститутке, но не открыто жить втроем»,— замечает Ирина Юкина. Института гражданского брака в 1860-е в России не было, супружеские отношения в среде нигилистов устанавливались де-факто. Впрочем, тройственные союзы если и стали революцией в литературе, то в среде петербургской интеллигенции такие случаи, как скандальная история поэта Некрасова с его возлюбленной Авдотьей Панаевой и ее мужем писателем Иваном Панаевым (все трое жили под одной крышей и совместно работали), были редки.

И в быту, и в своих текстах Панаева отстаивала идею: личная свобода женщины и уважение к ней со стороны мужчины — необходимые предпосылки «подлинной» любви, чуждой узаконенным брачным узам, которые строятся на основе материального благополучия (их Авдотья Яковлевна сравнивала с бесчестной самопродажей).

Роман «Что делать?» восприняли как руководство к действию. По словам Анны Евреиновой, первого доктора права в России, получившей свой диплом в 1860-е годы в Лейпциге, ее современницы искали людей, преданных общему делу, не для женитьбы, а для освобождения.

Интересно, что, вступая в «идейные браки», шестидесятники считали предательством превращение фиктивного союза в любовный. Однако именно такой путь выбрала Софья Ковалевская (в девичестве Корвин-Круковская) — первая в России женщина-профессор и первая в мире женщина—профессор математики, преподававшая в высшем учебном заведении.

Софья Ковалевская, дворянка по рождению, не имела никаких шансов развить свои математические способности в России.

Отец был против отъезда дочери на учебу за границу. Потому Софья Васильевна вышла замуж за ученого Ковалевского и уехала с ним в Германию. Впоследствии фиктивный брак стал настоящим — родилась дочь.

Ковалевская была не только очень умна и образованна, но и литературно одарена, как и ее старшая сестра Анна. Имена сестер связаны с судьбой и творчеством Достоевского, который был увлечен Анной. В 1884 году Ковалевская написала повесть «Нигилистка», в которой красавица дворянка Вера Баранцова мечется в поисках высокого служения идее и выходит замуж за незнакомого еврея-революционера, чтобы отправиться с ним на каторгу.

Свой поступок она объяснила так: «Я вышла за него замуж, потому что должна была выйти, потому что это было единственным средством спасти его!»

Чернышевского — в жизнь

«Новая женщина» Вера Павловна вольна выбирать себе мужчину, при этом не свободна от трогательных слабостей — она нежится в постели, лакомится сливками и обожает хорошие ботинки. Музицирует, хлопочет по хозяйству со служанкой, которую «надо просвещать». И помнит завет проститутки Жюли: умереть, но не давать поцелуя без любви. Эту фразу очень полюбили продвинутые читательницы.

Петр Кропоткин говорил о «Что делать?» как о «знамени для русской молодежи». По его мнению, ни одна книга Тургенева или Толстого не имели такого влияния на юношество. Роман запретили почти сразу после публикации. Но читатели пользовались оригинальной журнальной версией, либо искали эмигрантские издания за баснословные деньги. «Мы читали роман чуть ли не коленопреклоненно,— признавался критик Александр Скабичевский,— с таким благочестием, которое не допускает ни малейшей улыбки на уста, с каким читают богослужебные книги».

Газета «Северная пчела» посчитала «Что делать?» «отвратительной грязью». А окончательный приговор «новой женщине» вынес юрист Петр Цитович.

В 1880-х годах Цитович был редактором ежедневной политической и литературной газеты «Берег», издаваемой на казенный счет и рекламировавшей реакционную деятельность Константина Победоносцева. В брошюре «Ответ на письмо ученым людям» Цитович обличает: «Во имя ваших последних выводов науки и рефлексов с борьбой за дармоедство вы надолго искалечили не только нравственный облик, но даже наружный образ русской женщины. В этом уме была игривость — из нее сделали блудливость. В этом сердце было увлечение — вы превратили его в похоть… Полюбуйтесь же на нее: мужская шапка, мужской плащ, грязная юбка, оборванное платье, бронзовый или зеленоватый цвет лица, подбородок вперед, в мутных глазах все: бесцельность, усталость, злоба, ненависть… По наружному виду — какой-то гермафродит, по нутру — подлинная дочь Каина».

Тем временем в Петербурге и Москве стали открываться женские швейные мастерские, как в книге. Но, уточняет социолог Ирина Юкина, ничего не получалось: не было ни опыта, ни административных талантов, ни умений. А на Знаменской улице в Петербурге появилась коммуна писателя Василия Слепцова, о которой судачили как о «вертепе разврата».

Труженица Лескова

Доведенные до предела мысли Михайлова о женском вопросе смущали современников утратой женственности. Что это такое, никто не знал, но патриархальная картина с покорной женщиной—женой и матерью рушилась. На слом идеала мужчины реагировали чутко, а порой и болезненно. Николай Лесков считал, что ортодоксальные нигилисты «всего усерднее озабочивались уничтожением женственности» и «стрижкой под один гребень». Сам он отозвался на женский вопрос в 1860 году статьей «Русские женщины и эмансипация», в которой напутствовал дам не протестовать, а «делать дело». «В просвещенной, трудящейся и мыслящей женщине легче любить и мать, и подругу… Вне способности быть самостоятельной нет никакой эмансипации». Своими героинями — женственными и деятельными — Лесков восхищался. В романе «Некуда» 1864 года он противопоставит карикатурным «новым женщинам» близкий ему идеал. «Это была сила, способная на всякое самоотвержение; это было существо, никогда не жившее для себя и серьезно преданное своему долгу»,— скажет его игуменья Агния.

— Лесков исходил из того, что в образованном русском обществе растет понимание социальной ущербности того положения, которое занимает в нем женщина. По вине «среды, в которой она родилась, выросла и живет», по вине «общества и истории» русская женщина превращена в «рабу, невольницу, одалиску и, наконец, светскую куклу». При этом, по мнению писателя, отношение к европейским идеям эмансипации и «женщинам, увлеченным французскими эмансипаторами-анархистами», в России не может не быть настороженным и подозрительно-неприязненным. Вырываясь всеми позволительными и непозволительными способами из цепей мужского и семейного деспотизма, русская женщина часто делалась самым ярым, самым неистовым деспотом и в семье, и в обществе. Поэтому в идеях эмансипации, и особенно в их носительницах в России, виделась опасность разрушения семьи и наступления хаоса. Уже в названии статьи Лескова — «Русские женщины и эмансипация» — союз «и» фактически подчеркивает поверхностность популярных тогда в русском обществе представлений о правах женщин,— отмечает доктор философских наук, социолог Ольга Здравомыслова.

У нашумевшей статьи Михайлова о женском вопросе, всколыхнувшей общественность, нашлись и ярые противники. Известный критик Николай Страхов и высказался от лица консервативного лагеря, ну и от своего, страховского, тоже. Ему — женоненавистнику и холостяку — пропаганда эмансипации была во многом неприятна именно потому, что исходила от мужчин. В 1870 году Страхов по пунктам разложил «опасность» этих идей в статье «Женский вопрос», ратуя за «истинное предназначение женщины». Он приписал женщинам фальшивость. И заявил, что та, кто отказывается от идеала жены и матери, «легче всякой другой испортит свою судьбу, доведя себя «до нравственного уродства»». Далее критик подводит черту, кому, собственно, адресован женский вопрос: дамам трудной судьбы — старым девам и старухам.

«Для общественных дел требуется женщина бесполая, то есть или такая, которая не имеет пола от рождения, или такая, которая перешла уже за пределы полового возраста»,— заявлял Страхов.

А достичь «бесполости», с его точки зрения, может женщина, отвергающая брак. С браком она теряет и стыдливость, делаясь развратной, резюмирует критик.

Гуманист Достоевский и консерватор Толстой

И Толстой, и Достоевский статью Страхова одобрили. Оба писателя об эмансипации высказывались неоднократно — и в художественных, и в публицистических текстах, и в письмах.

Лев Николаевич был убежден, что высшее назначение женщины даже не столько в воспитании и кормлении детей, сколько «в полном отдании себя тому, кого любишь». «Удивительное недоразумение весь так называемый женский вопрос, охвативший, как это должно быть со всякой пошлостью, большинство женщин и даже мужчин!» — негодовал он — и восхищался повестью Чехова «Душечка», которую толковал иначе, чем сам автор.

— Многим во второй половине XIX века уже было понятно, что идеи свободы и прав личности, воспринятые Россией из Европы, нельзя механически «перенести» на отечественную почву. Поэтому идеи эти с самого начала оказались в центре ожесточенной полемики. Идея эмансипации заряжена критикой традиционализма, глубинно связанного с православием, патриархальной семьей и русской моделью женственности — материнства.

Если культуру европейского патриархата в течение веков формировал миф о рыцаре и Прекрасной Даме, то в основании российской патриархальной гендерной культуры лежал древний культ материнства.

И он воспринимался как глубинное основание отечественной культуры и истории. Процесс женской эмансипации в России я бы назвала просветительским и литературоцентричным. Образы «тургеневских девушек», «новых людей» Чернышевского, героинь Толстого и Достоевского родились из споров о настоящем и будущем русской женщины. Толстой ясно видел, что происходит разрушение патриархальной семьи, которая представлялась ему сутью самой России. Он испытывал страх, предчувствуя неотвратимость этого процесса, и в то же время описывал его с документальной точностью и огромной выразительностью,— считает Ольга Здравомыслова.

Достоевский зорко следит за женским вопросом. В «Идиоте», опубликованном в 1868–1869 годах, он пишет: «Ограниченному «обыкновенному» человеку нет, например, ничего легче, как вообразить себя человеком необыкновенным и оригинальным и усладиться тем без всяких колебаний. Стоило некоторым из наших барышень остричь себе волосы, надеть синие очки и наименоваться нигилистками, чтобы тотчас же убедиться, что, надев очки, они немедленно стали иметь свои собственные «убеждения»».

Анна Григорьевна Достоевская признавалась в своих воспоминаниях: «Одним из поводов наших идейных разногласий (в первый год семейной жизни) был так называемый «женский вопрос». Будучи по возрасту современницей шестидесятых годов, я твердо стояла за права и независимость женщин и негодовала на мужа за его, по моему мнению, несправедливое отношение к ним. Я даже готова была подобное отношение считать за личную обиду и иногда высказывала это… Федор Михайлович действительно не любил тогдашних нигилисток. Их отрицание всякой женственности, неряшливость, грубый напускной тон возбуждали в нем отвращение, и он именно ценил во мне противоположные качества. Совсем другое отношение к женщинам возникло в Федоре Михайловиче впоследствии, в семидесятых годах, когда действительно из них выработались умные, образованные и серьезно смотрящие на жизнь женщины. Тогда мой муж высказал в «Дневнике писателя», что многого ждет от русской женщины».

Достоевскому же принадлежит своеобразный мем позапрошлого века: «Безобразный поступок «Века»» (его вспомнит Свидригайлов в «Преступлении и наказании»). Речь о скандале, вызванном публикацией в журнале «Век», в которой журналист Петр Вейнберг оскорбительно отозвался о жене председателя пермской казенной палаты Евгении Толмачевой, которая в 1860 году публично прочла импровизацию на тему «Клеопатры и ее любовников» из «Египетских ночей» Пушкина. Фельетонист выставил Толмачеву «новоявленной Клеопатрой, жрицей разнузданного сладострастия», что общественность расценила как выпад против идей женской эмансипации. Статью раскритиковал Михаил Михайлов, в полемику включился журнал братьев Достоевских «Время». Сам писатель резко осудил «свистунов», развязавших скандал против госпожи Толмачевой.

К переосмыслению женского вопроса Достоевский возвращался не раз: например, в «Преступлении и наказании», «Идиоте», «Бесах» множество аллюзий на «Что делать?». В частности, в «Преступлении и наказании» Лебезятников пропагандирует Соне прогрессивные идеи, втолковывая, что мужчина оскорбляет женщину, целуя ей руки, не считая за равную. Это явная перекличка с Чернышевским: Вера Павловна полагает, что целование рук женщины мужчиной унизительно для нее.

Просвещение и разочарование

Новые идеи помимо восторгов приносили и новые разочарования. «Бакунин полусловами давал мне понять вещи, которые меня возмущали. Например: «Молодая, красивая женщина всегда может быть полезна… Сколько есть богачей, молодых и старых, которых легко закружить и заставить давать деньги для дела»»,— вспоминала дочь Александра Герцена Наталья.

Образ мужчины — просветителя и гуманиста, декларирующего высокие идеалы спасения и просвещения несчастной женщины, а на деле предающего и идеи, и женщину, в русской литературе тоже есть. Александр Куприн в «Яме» не без пафоса, но жестко обличает студентов, «облагодетельствовавших» проститутку Любку и домогающихся ее под «высокие идеи». Но в 1860-е до разочарования Куприна было еще далеко.

Радикальные нигилистки-шестидесятницы оставались верными своим идеалам долгие годы, хотя молодому поколению эти взгляды уже казались ущербными.

Например, переводчица и мемуаристка Екатерина Андреева-Бальмонт (вторая жена Константина Бальмонта) вспоминала: «Впоследствии в моей юности я встретила у моих старших сестер всех этих умных и замечательных женщин… Все они были уже старые, некрасивые, стриженые, курили, одевались в какие-то балахоны. Я не хотела быть похожей на них».

А философ Василий Розанов так описывает идеал женственности, рожденный в 1860-е, в статье «Женское образовательное движение 60-х годов»: «С тем отсутствием грубого, упорного, что всегда ее отличало, женщина 60–70-х годов вступала в эту влекущую, обаятельную атмосферу, в атмосферу всеобщего к себе внимания и нового восхищения. В мужчине возник новый идеал женщины, идеал жены-“друга», матери-«ментора»; и покорно, податливо, безвольно она подчинилась этому идеалу; даже более — она ринулась радостно ему навстречу, сбрасывая с себя запястья, кольца, обстригая красоту свою — волосы, марая руки, лицо в трупной вони анатомических театров, отрицаясь даже от того, что вековечно более всего любила в себе». Розанов знал, о чем говорил: в 24 года он женился на одной из самых ярких женщин эпохи — 41-летней Аполлинарии Сусловой. С ней он прожил в браке шесть лет, а когда Аполлинария его бросила, ждал развода 20 лет — до ее смерти. При этом новая семья и дети Розанова считались «незаконными».

Опошление идей 1860-х постепенно станет источником литературных сюжетов. Причем не только в мужских текстах. У Надежды Тэффи есть комическая пьеса «Женский вопрос», в которой она иронизирует над тем, как высокие идеалы «новых людей» превращаются в жеманное резонерство скучающей женщины, а на смену «кисейной барышни» приходит не менее томная «умственная».

«Русские эмансипе формировались не из воздуха»

Фото: Из личного архива

Павел Басинский, писатель, автор книги «Посмотрите на меня. Тайная история Лизы Дьяконовой»

— Главная проблема эмансипации женщин в XIX веке заключалась в том, что этот вопрос в основном ставили мужчины. Не случайно и французская писательница Амандина Аврора Люсиль Дюпен, столь популярная в России в первой половине столетия, взяла мужской псевдоним Жорж Санд. Не случайно и то, что первым английским «феминистом» был мужчина Джон Стюарт Милль, автор книги «Подчиненность женщины», ставшей своего рода катехизисом для русских феминистов и феминисток. Не только рычаги управления государством, прежде всего бюрократический аппарат, но и основные журналы, литературная критика и так далее были в руках мужчин. Они поначалу и формировали представление о «свободе женщины». Таким образом, она рассматривалась не как субъект, а как объект приложения мужских усилий.

Русские эмансипе формировались не из воздуха. Во-первых, веяния из Европы, Англии. Русская общественность, и женщины в том числе, были очень чутки к таким веяниям. Русские девушки, женщины читали ведь главным образом французские книги, из серьезных: Руссо, Санд. С определенного момента стало немодно, даже стыдно вариться в своей среде, как это было в купечестве. Просвещенная дворянка знала иностранные языки, читала иностранные книги, должна была на равных поддерживать светский разговор с мужчинами.

Во-вторых, русская литература всегда придавала особое значение женским персонажам, именно они и были положительными, в отличие от мужских.

Ни в одной литературе мира женщина не превозносилась так: она и умнее, и духовно выше, а главное, сильнее мужчин, всех этих «лишних» и «маленьких» людей.

С русскими фрейлинами советовались цари, им доверяли воспитывать детей государя. Но все это оставалось в рамках женщины как объекта при мужчине: он слабый, зато она сильная, он революционер (вариант: творец), значит, нужно посвятить ему свою жизнь.

Нигилистки — протест против образа женщины как исключительно жены и матери. Это было очень бурное время, когда ставились практически все вопросы, связанные с эмансипацией женщины. И пусть решались они порой однобоко, порой карикатурно, порой даже трагично, главное — дело сдвинулось с мертвой точки.

Что такое классицизм в литературе, архитектуре и живописи

Обновлено 22 июля 2021 Просмотров: 88 122 Автор: Дмитрий Петров

«Разум — это зажигательное стекло, которое, воспламеняя, само остается холодным».
Рене Декарт, французский философ

  1. Классицизм — это…
  2. Его особенности и основные признаки (черты)
  3. Классицизм в литературе
  4. В архитектуре и живописи
  5. Роль классицизма в мировой культуре

Здравствуйте, уважаемые читатели блога KtoNaNovenkogo.ru. Если вы любите порядок, симметрию, логику и четкие пропорции, стремитесь к возвышенным идеалам и гармонии (что это?), то классицизм придется вам по вкусу.

Жаль только, что время его расцвета в мировой культуре давно миновало, зато сохранились великие произведения классицизма в литературе, живописи и архитектуре, поражающие наше воображение вот уже четвертый век подряд.

*В центре Петербурга образцы классицизма на каждом шагу.
Казанский собор, 1811 г., архитектор А. Н.Воронихин

Классицизм — это…

Классицизм — это направление в искусстве, распространившееся в ведущих европейских державах начиная с XVII и заканчивая началом XIX века. Это масштабное явление зародилось на стыке Ренессанса (что это?) и Просвещения.

За два века классицизм вобрал в себя черты обеих великих эпох и прошел несколько этапов.

Рождение классицизма

Новый стиль родился во Франции при Людовике XIV, том самом, который получил прозвище «король-солнце» и за почти 73 года своего правления сформулировал главный тезис абсолютизма (что это такое?): «Государство — это я».

Абсолютная власть короля требовала мощной пропаганды, и искусство должно было решать эту задачу.

*Пьер Миньяр, портрет Людовика XIV,1665 г.

Происхождение термина

Термин «классицизм» произошел от прилагательного «классический», а оно, в свою очередь, от латинского classicus — образцовый. Классическими в эпоху Возрождения (когда это было?) называли произведения и авторов, достойных изучения в классах, и эти образцовые творения были родом из античности.

В середине XVIII века Вольтер смело назвал классическими авторов предыдущего XVII столетия. С тех пор начинает формироваться определение классицизма, как особого стиля, противопоставленного зарождающемуся романтизму.

Причем романтики с пренебрежением называли классиков старьем и слепыми подражателями античному искусству, а себя молодцами и новаторами.

Окончательное понимание того, что такое классицизм, сложилось в конце XIX века, когда основными его чертами назвали опору на античное искусство и воплощение идеологии абсолютной монархии.

Русский классицизм

Расцвет европейского, а особенно французского классицизма пришелся на XVII век, а до России эта волна докатилась только к концу XVIII века, но такое запоздание вполне объяснимо — ни Ренессанс, ни Реформация (что это такое?), сыгравшие важную роль в формировании классического стиля, не задели нашу страну даже по касательной.

В конце XVIII века при Екатерине II в России расцветает светская культура. Императрица лично общалась с европейскими просветителями Вольтером, Дидро, д’Аламбером, собирала коллекции живописи, увлекалась литературой.

*Рокотов Ф. С., Портрет Екатерины II, 1770 г.

Неоклассицизм эпохи Просвещения

Русский классицизм по времени совпал с европейским неоклассицизмом — вторым всплеском увлеченности античным искусством. В 40-е годы XVIII века произошел бум археологических раскопок в древнеримских городах, среди которых были Помпеи и Геркуланум, уничтоженные в одночасье извержением Везувия.

И если ранний классицизм смотрел на античность через призму Ренессанса, то после раскопок стало доступно подлинное античное наследие — архитектура и предметы декоративно-прикладного искусства.

*Мечта археолога: Помпеи — город, погребенный заживо

XVIII век стал великой эпохой Просвещения. Идеи равенства людей перед Богом и законом, победы разума над верой, возврат к естественному человеку и оптимистический взгляд на историю наложили свой отпечаток на классицизм этого времени.

Особенности и основные признаки (черты) классицизма

Основной признак классицизма обоих столетий — обращение к античности как к идеалу, неподвластному времени, оттуда черпались темы, сюжеты, конфликты и характеры, которые наполнялись новым содержанием и идеями.

Наиболее характерные черты:

  1. рационализм — произведение искусства должно создаваться разумно и подчиняться логике;
  2. правдоподобие — мир воссоздается не таким, каков он есть, а таким, каким он должен быть;
  3. воспитательная роль искусства;
  4. идеи национальной государственности и патриотизма (что это такое?);
  5. долг — человек является слугой своего государства, поэтому в приоритете общественные, национальные интересы перед личными амбициями;
  6. готовность к борьбе за высокие цели.

Эстетика (что это такое?) классицизма стоит на трех китах: РАЗУМ, ОБРАЗЕЦ, ВКУС.

Исходя из этого, произведения искусства — это не какие-то плоды мифического вдохновения, фантазии и прочих непонятных состояний, а результаты работы разума, анализа классических образцов и соблюдения правил хорошего тона.

Истоки такого подхода к творчеству лежат в философии Рене Декарта — отца-основателя рационализма.

Рациональная эстетика классицизма стремилась упорядочить искусство, ввести определенные правила, очертить границы жанров.

Именно под влиянием классицизма складываются основы национальной литературы европейских стран и России, закладываются основы театра, создается новый подход к планированию и облику городов.

Классицизм в литературе

Манифестом (что это такое?) классицизма в литературе называют работу «Поэтическое искусство» французского поэта и теоретика литературы, придворного историографа Людовика XIV Никола Буало.

Стихотворная поэма-трактат вышла в 1674 году, состоит из 4 песен, в которых автор излагает принципы поэтического искусства.

  1. Лаконичность формы.
  2. Разумное содержание.
  3. Правдоподобие.
  4. Благопристойность.
  5. Талант (что это?) и порядочность автора.
  6. Обязательная жанровая иерархия (что это?).
  7. Соблюдение «трех единств».

*Гиацинт Риго, Портрет Никола Буало, 1704 г.

Теория трех единств

Один из главных принципов классицизма в литературе, а особенно в драматургии — это теория трех единств, идеи которой взяты у Аристотеля и его последователей и направлены на достижение гармонии драматического произведения.

  1. Единство времени.
    Действие длится не больше суток.
  2. Единство места.
    Действие происходит в одном и том же месте.
  3. Единство действия.
    Описывается только одно событие.

Иерархия жанров

Классицизм разложил по полкам хаос литературных жанров. Правда, пристальное внимание было уделено поэзии и драме (что это такое?), проза (что это?) не очень-то интересовала поклонников античности. Для каждого жанра определялся достойный выбор темы и героев, а также языковые нормы.

К высоким жанрам относилась королева драмы — трагедия, испытавшая небывалый расцвет в эпоху классицизма, эпические (это какие?) поэмы и торжественные оды. Персонажи здесь сплошь героические, события исторические, темы жизненно важные, философские.

Герой ставится перед выбором между долгом и личными интересами, и от этого выбора зависит, хороший ли перед нами персонаж или так себе. Естественно, истинный герой выбирает служение отчизне и долг.

*Алиса Коонен в роли Федры в постановке трагедии Ж.Расина «Федра»,
Камерный театр Таирова, 1922 год

Низкие жанры — сатира (что это?), басня (что это такое?), комедия. Персонажи здесь попроще, события описаны заурядные, а темы — волнующие обычных торговцев, буржуа, ремесленников.

*Эскиз костюма Дон Жуана к комедии Мольера «Дон Жуан, или каменный гость»

В произведениях низких жанров уместен разговор о чувствах и пороках людей.

Национальные особенности литературы в стиле классицизма

В разных странах классицизм в литературе имел свои особенности.

Во Франции он сложился в стройную систему, а наиболее яркие представители французского классицизма стали флагманами в своих жанрах.

Пьер Корнель и Жан Расин— отцы французской трагедии, Мольер — создатель классической комедии, Жан де Лафонтен — главный баснописец Франции, Вольтер — великий «многостаночник». Без этих классиков мировая литература пошла бы по другому пути.

В Германии, растерзанной Тридцатилетней войной, в XVII веке более распространен стиль барокко с характерными для него мотивами душераздирающих страданий. Феодальная раздробленность страны не способствовала полноценному развитию классицизма, но все же и здесь находятся его приверженцы.

Мартин Опиц продвигал идеи классицизма на немецкой почве. Он настаивал на воспитательной и познавательной роли литературы, призывал поэтов писать на родном языке, избавляя его от просторечного мусора, проводил реформу стиха, добиваясь строгости формы.

*при клике по картинке она откроется в полный размер в новом окне

Особняком стоит этап под кодовым названием Веймарский классицизм, который случился в самом конце XVIII века благодаря совместной работе двух великих немецких поэтов Гёте и Шиллера, к этому времени несколько умеривших свои бунтарские настроения периода «Бури и натиска».

Оба гения оказались в немецком городе Веймар, где совместными усилиями составили программу, повлиявшую на всю литературу Германии. Главные тезисы до боли знакомы:

  1. задача искусства — содействовать духовному подъему и национальному самосознанию;
  2. необходимо стремиться к гуманистическому идеалу, гармонии и прекрасному, а все это можно найти в античном искусстве.

*Памятник Гёте (слева) и Шиллеру (справа) в городе Веймар

Классицизм в русскую литературу пришел стараниями литераторов А.Д.Кантемира, А.П.Сумарокова и В.К.Тредиаковского. Они переводили труды французских классиков и подстраивали теорию под отечественные реалии.

Условно говоря, с классицизма началась русская светская литература — Россия активно включилась в мировой литературный процесс.

Русский классицизм не стал калькой с французского, со временем он приобретает самобытные черты:

  1. источником вдохновения становится не античность, а национальная история и фольклор (что это такое?);
  2. очень популярны жанры сатиры и оды: критиковать и восхвалять — традиционная русская забава;
  3. тема патриотизма проходит красной нитью через все произведения эпохи.

Ярчайшие представители классицизма в русской литературе — М.В.Ломоносов, создавший теорию «трех штилей», на долгое время определившую развитие отечественной литературы,

А так же Д.И.Фонвизин, написавший первые в России бытовые комедии «Недоросль» и «Бригадир», Г.Р.Державин, последний русский классицист и первый русский поэт.

Классицизм в архитектуре и живописи

Главная тема архитектуры классицизма — это рациональное планирование городов. Опираясь на античные образцы, а иногда копируя их (неогреческий стиль), архитекторы проектировали не только церкви и дворцы, но и общественные здания — рынки, театры, больницы, тюрьмы.

В этот период рождается урбанистика, как мы понимаем ее сегодня, с продумыванием парков, площадей, удобным расположением улиц.

Признаки классицизма в архитектуре встречаются во всех крупных городах Европы, России и Америки:

  1. элементы ордерной системы античной архитектуры: колонны с капителью, портики, скульптура, рельеф;
  2. симметрия, правильная геометрия;
  3. четкость пропорций;
  4. простые формы;
  5. практичность.

*Версаль — канонический образец классицизма

Говорящие позы, идеализированное изображение человеческого тела, античные сюжеты или прозрачные намеки на всем известные мифы (что это?) — по этим признакам можно определить классицизм в живописи.

Парижская Академия художеств, открытая в 1648 году, ввела своеобразный кодекс чести истинного классического живописца, отступление от которого не приветствовалось.

  1. Предмет искусства — прекрасное и возвышенное.
  2. Эстетический идеал — античность.
  3. Композиция (что это такое?) — ясная и уравновешенная, со смысловым узлом.
  4. Сюжет — логический.
  5. Форма моделируется линией и светотенью.
  6. Пространство выстраивается параллельными планами.
  7. Позы и жесты — ясные, «говорящие».

Как и в литературе, признаком классицизма в живописи становится четкое жанровое разделение.

Высокие живописные жанры:

  1. исторический,
  2. мифологический,
  3. религиозный.

*Жак Луи Давид, Клятва Горациев, 1784 г.

Низкие живописные жанры:

  1. портрет,
  2. пейзаж,
  3. натюрморт,
  4. бытовая картина.

*Клод Лоррен, Порт на закате, 1639 г.

Роль классицизма в мировой культуре

Классицизм — первое в истории мировой культуры направление, которое сложилось в целостную систему и осознавалось как особый стиль самими участниками событий.

В этот период происходит взлет многочисленных жанров в основных направлениях искусства, рождается национальная литература разных стран, проводится работа по систематизации теоретической базы в изобразительном искусстве, архитектуре, литературе.

Классицизм утратил лидирующие позиции в XIX веке, но его черты обнаруживаются в искусстве XX столетия, даже сейчас классический стиль с его рационализмом и гармонией востребован в дизайне.

Автор статьи: Елена Румянцева

Удачи вам! До скорых встреч на страницах блога KtoNaNovenkogo.ru

Эта статья относится к рубрикам:

Идеал красоты в разные исторические эпохи

1. Идеал красоты в разные исторические эпохи

… что есть красота
И почему её обожествляют
люди?
Сосуд она, в котором пустота,
Или огонь, мерцающий в
сосуде?
Н. Заболоцкий

2. Первобытность

Уже в древние времена люди кроме
предметов быта лепили из глины
человеческие фигурки. Возраст самой
древней женской статуэтки,
известной человечеству – 80 тысяч лет.
Первые предметы культуры
изображали именно женщину – это
последствия матриархата.
Изображение женщины имело ярко
выраженные половые признаки, и во
многих случаях она была беременна.
Таким образом, идеал того времени
был обусловлен социальным статусом
женщины как матери рода.
«Виллендорфская Венера»

3. Древний мир (Египет)

Идеалом красоты Древнего Египта была стройная и
грациозная женщина. Тонкие черты лица с полными губами и огромными
миндалевидными глазами, форма которых подчеркивалась специальными
контурами, контраст
тяжелых причесок с изящной вытянутой
фигурой вызывали представление об
экзотическом растении на гибком
колышущемся стебле.
Самым красивым цветом глаз считался
зеленый, поэтому глаза обводили
зеленой краской из углекислой меди
(позже ее заменили черной), их
удлиняли к вискам, подрисовывали
толстые длинные брови.
Зеленой краской (из растертого малахита)
красили ногти и ступни ног.

4. «Описывать бесцельно – смотреть.» Л.Борхардт

Самая известная
красавица Древнего
Египта –
царица Нефертити,
супруга
Фараона Эхнатона.
«прекрасная ликом»
«умиротворяющая
Солнце голосом
сладострастным»

5. Красота по — африкански

У многих африканских народов понятия о красоте не
меняются с течением времени.

6. Древний мир (Япония)

Красавицы Японии густо белили кожу,
замазывая все дефекты на лице и груди,
лоб по краю роста волос обводили тушью,
брови сбривали и вместо них рисовали
короткие толстые черные черточки.
Замужние женщины в феодальной Японии
покрывали зубы черным лаком.
Идеальным считалось собирать волосы
в высокий тяжелый узел, который
поддерживался длинной узорчатой
палочкой.. Для укрепления волос и
придания им блеска волосы смазывали
специальными маслами и растительными
соками . Мужчины рисовали или наклеивали
фальшивые усы и бакенбарды,
выбривали себе лоб и затылок,
а на макушке собирали волосы в
красивый пучок,
который завязывали эффектными шнурами.

7. Античность

«Человек – есть мера всех
вещей»
Протагор
Греки считали величину, порядок и
симметрию символом прекрасного.
Идеально красивым был человек, у
которого все части тела и черты
лица
находились
в
гармоничном
сочетании.
Прекрасным
считалось
лицо,
которое можно было
разделить
на
несколько
равных
частей
(три
или
четыре).
Типичная
черта
греческих
изображений

это
гармония пропорций, природная
красота, молодость, частичная или
полная оголенность тела . Таким
образом, красота
в то время
выражалась в красоте тела.
В Древней Греции идеалом красоты считалась
рослая (по тем понятиям) женщина с развернутыми
плечами,
тонкой талией, широким тазом,
.
плоским животом и стройными ногами.
Идеал — статуя Венеры Милосской. Ее рост 164 см,
окружность груди 86 см, талии — 69 см,
бедер — 93 см.
И целомудренно и смело,
До чресл сияя наготой,
Цветет божественное тело
Неувядающей красой.
Под этой сенью прихотливой
Слегка приподнятых волос
Как много неги горделивой
В небесном лике разлилось!
Так, вся дыша пафосской страстью,
Вся млея пеною морской
И всепобедной вея властью
Ты смотришь в вечность пред собой.
А.Фет. Венера Милосская
Красоту лица определяли так
называемый греческий нос, невысокий лоб,
большие глаза, округлая линия бровей.
Волосы гречанки укладывали узлом или
перевязывали на затылке лентой. Они
обесцвечивали их щелоком, а затем натирали
помадой из козьего жира и желтых цветов.
Знатные дамы в Греции любили
косметику
пудру, помаду, румяна.
Сурьму применяли для украшения глаз,
придания им блеска. Хной и басмой
окрашивали ногти и волосы. Людей,
умевших искусно украшать свое тело,
называли .

10. Средневековье

С
упадком
античной
культуры
эпо
воспевания
красоты сменилась
культом аскетизма, отрешеннос
от радостей
восприятия мира.
В средние века земная красо
считалась греховной, а
наслаждение ею – недозволенны
Тело драпировали
тяжелыми
тканями,
котор
плотным мешком
скрывали фигуру
(ширина одежды к росту составля
1:3). Под
чепчиком
полностью
Архиепископ
кентерберийский
Ансельмпрята
волосы, был предан
публично
провозгласил
блондирование
забвению
весь
арсенал
волос нечестивым занятием.
средств для улучшения внешност
которые были так
популярны в античные времена.
Идеал женщины в это время олицетворяла пресвятая деваМария –
удлиненный овал лица, подчеркнуто высокий лоб, огромные глаза и
маленький рот.
Важным поворотным моментом в
восприятии красоты становится
рубеж XII—XIII веков, когда
культура приобретает более
светский характер. Накопление
богатств и стремление к роскоши в
рыцарской среде породили идеалы,
весьма далекие от аскетизма и
умерщвления плоти. В XIII веке
расцветает поклонение «прекрасной
даме». Трубадуры восхваляют
королев рыцарских турниров, их
тонкий гибкий стан, подобный
виноградной лозе, светлые волосы,
продолговатое лицо, прямой тонкий
нос, пышные кудри, глаза ясные и
веселые, кожу, подобную персику,
губы алее, чем вишня или роза
летней поры. Женщину сравнивают
с розой — она нежна, хрупка,
изящна. В моде высокие головные уборы,

13. Эпоха Возрождения

В эпоху раннего Возрождения бледный
цвет лица и длинные шелковистые
пряди белокурых волос стали
канонами красоты женщин Флоренции.
Великие поэты Данте, Боккаччо,
Петрарка и другие прославляли
белоснежную кожу. Идеальными
считались
стройная
«лебединая
шея» и
высокий
чистый лоб.
Чтобы
следовать этой
моде,
для удлинения
овала
лица женщины
выбривали
спереди
волосы и
выщипывали
брови, а
для того
чтобы шея
казалась
более
длинной, брили

14. Симонетта Веспуччи –любимица Флоренции ,Медичи и Ботичелли.

Художник считал её идеалом красоты и изображал
в образе Весны, Афродиты, Юдифи, Марии.

15. С.Ботичелли. Рождение Венеры

16. Высокое Возрождение

Высокое Возрождение
приносит совсем иное
понимание красоты.
Вместо тонких, стройных
подвижных фигур
торжествуют пышные
формы, могучие тела с
широкими бедрами, с
роскошной полнотой шеи и
плеч.
В моду входит
особый, так
любимый
венецианками
золотисто-рыжий
цвет волос, —
цвет, который
позже стали
называть «цветом
Тициана».

17.

Загадка эпохи «Джоконда» подобна древнему
загадочному сфинксу, который
таинственно улыбается из
рамы картины Леонардо да
Винчи
и, кажется, предлагает
восхищенным столетиям
загадку, которую они ещё не
решили.
Т.Готье

18. «Мадонеро», «Божественный Санцио» и его мадонны

19. 17 век

Это полный противоречий и борьбы переходный период,
завершивший историю европейского феодализма и
открывший новые капиталистические отношения.
Магистральной линией развития искусства становится
светское. Главенствуют 2 больших стиля искусства – барокко
и классицизм. Первый – изумление перед пышностью,
богатством, бесконечностью постигаемого мира. Второйравнение на античность, выработка новых норм и правил.
С человеческого тела было снято табу, наложенное церковью. Душа отходит
на второй план, и перед нами во всем своем величии появляется Тело.
Красота теперь неотъемлемо связана с телом. Люди вспомнили, что «когдато они это уже видели», и искусство взяло своим основанием достижения
Античности.

20. Красота в понимании Рубенса и Рембрандта

21. Франция –законодательница мод

С середины 17 века законодателем европейской моды
становится Версаль. Жизнь при дворе –нескончаемое
театрализованное представление, актеры – король и
придворные.
Формируется новый облик придворного.
Розовощекие кокетливые мужчины,
утопающие в кружевах и бархате.
Движения их легки и грациозны,
в моде женственность.
Женщины исполнены грации и
элегантности.
Корпус затянут в
тончайший
корсет,
пудреные
маленькие
головки
уравнивают
возраст.

23. 18 век. Рококо

Маркиза де Помпадур –
идеал и образец
галантности
этого времени. Многие
модные штучки
придумала
она. Например – мушки.
Идеал красоты: тонкие
руки, маленькие ножки,
нежное тело
Для еще лучшего вида была нужна пикантность. Красота тела уже не
связана с наготой – обнаженными становятся лишь некоторые части
тела, а одежда дамы активно подчеркивает их.

24. 19 век

Не раз менялся идеал красоты в XIX веке. В самом
его начале в моду входит одежда с сильно
завышенной
талией (под грудью), сшитая из тонких,
полупрозрачных тканей, мягко обволакивающих
фигуру. Затем, к 30—40-м годам талия
опускается на свое обычное место, туго
затягивается корсетом, а юбки становятся
пышными, широкими. В 80-е годы в моду
входят турнюры — объемные драпировки и
банты сзади, к низу от талии. Силуэт фигуры в
профиль приобретает необычайно женственную
S-образную изогнутость. Но в целом мода XIX
века
тяготела к искусственности. Все естественное,
натуральное казалось грубым, примитивным.
Здоровый румянец и загар, крепкое, сильное
тело были признаками низкого происхождения.
Идеалом красоты считались «осиные талии»,
бледные лица, изнеженность и утонченность.
А
м
п
и
р
Однако в ХIX веке женщина впервые
изображается с позиции человека.
Художники, которые придерживались
передовых демократических взглядов,
начинают искать в женщине не просто
телесную красоту, но и душу, ум. На лице,
кроме утонченных черт, впервые
появляются мысли. Теперь на картинах
женщина из объекта удовольствия
превращается в субъект человеческих
отношений.
На протяжении прошлого века идеал красоты
изменялся несколько раз, но причинами этих
изменений были уже не революции в
общественной жизни, а необходимостью
капитала изготавливать все больше и больше
товаров для тела. Целостного понятия идеала
женской красоты уже не существует. Он
постепенно исчезает, регрессирует, как исчезает
и классическое его изображение. Последний
такой «наиболее популярный» идеал – это
эталон красоты, сформированный 25 лет назад
владелицей одного модельного агентства в НьюЙорке. Понятно, что здесь не идеализируют
красоту и здоровье тела, а стремятся показать
красоту одежды. Женщина должна быть похожа
на манекен. Требования к телу следующие:
минимум, метр семьдесят роста, маленькая
грудь, шелковые волосы, нежные плечи,
длинная шея, узкая талия, красивые руки,
широко расставленные глаза, не очень большой
рот и не очень узкие губы.

28. От чего же зависят представления о красоте?

От времени (эпохи).
От этнических, национальных традиций восприятия прекрасного.
От сословных или классовых представлений о красоте.
От личного отношения к модели автора-художника, который
воплощает его в произведении искусства.
5. От всех нас – умеем ли мы понять, что перед нами именно
Прекрасное.
1.
2.
3.
4.

29. Библиография:

Н.М. Аршавская, Л.С. Щербакова. Мода, вкус,
красота
Андрей Самарский.Эволюция идеала женской
красоты
Эдуард Фукс. История нравов
Ресурсы интернет
Художественная энциклопедия зарубежного
классического искусства на СD.
5555 шедевров мировой живописи.

влияние на Александра Пушкина и Михаила Лермонтова.

Лорд Джордж Гордон Байрон в начале XIX века был настоящей звездой: публика всей Европы затаив дыхание следила за перипетиями его скандальной личной жизни, зачитываясь его острой и необычной для того времени поэзией. Главными поклонниками и одновременно оппонентами Байрона в России были Александр Пушкин и Михаил Лермонтов. Вспоминаем, как русские поэты вдохновлялись его произведениями.

Александр Пушкин

Луи Буланже. Мазепа. 1827. Музей изобразительных искусств, Руан, Франция

Орас Верне. Мазепа, привязанный к лошади. 1820-е. Частная коллекция

Тарас Шевченко. Мария. Иллюстрация к поэме Александра Пушкина «Полтава». 1840

Влияние байронизма на творчество Пушкина заметнее всего в ранних произведениях. По признанию самого поэта, он «сходил с ума» по Байрону и зачитывался им, живя на юге. Особенно Пушкину нравился байронический восточный колорит и романтические герои-дикари, черты которых он придал персонажам «Цыган», «Кавказского пленника», «Бахчисарайского фонтана».

«Бахчисарайский фонтан» слабее «Пленника» и, как он, отзывается чтением Байрона, от которого я тогда с ума сходил».

Под влиянием байроновского «Беппо» Пушкин задумал «Домик в Коломне» и «Графа Нулина». В этой же поэме, а также в «Доне Жуане» он искал черты для образа Евгения Онегина.

Однако вскоре очарованность Байроном прошла. Первым полемичным ответом Пушкина романтику стала «Полтава», написанная под впечатлением от байроновского «Мазепы». Сюжет британской поэмы строился вокруг молодого пажа польского короля, который стал любовником знатной дамы. За эту порочную связь его, обнаженного и безоружного, привязали к спине лошади, которую пустили в поле. На героя напали волки, после чего лошадь вынесла его, едва живого, на территорию Украины, где бывший паж благодаря незаурядным способностям стал гетманом. Страстная, пугающая и драматичная поэма нравилась европейской публике, Пушкин же по поводу неправдоподобного сюжета, избранного Байроном, сказал: «Если ж бы ему под перо попалась история обольщенной дочери и казненного отца, то, вероятно, никто бы не осмелился после него коснуться сего ужасного предмета». После этого поэт написал собственное сочинение — о юной Марии Кочубей и предателе Мазепе.

Эжен Делакруа. Селим и Зулейка. 1857. Кимбелл Арт музей, Форт-Уэрт, Техас, США

Григорий Чернецов, Никанор Чернецов. Александр Пушкин в Бахчисарайском дворце. 1837

Томас Филиппс. Портрет Байрона в албанском наряде. 1813. Британское посольство в Афинах, Греция

А в «Евгении Онегине» Пушкин открыто иронизировал по поводу популярности Байрона:

Британской музы небылицы
Тревожат сон отроковицы,
И стал теперь ее кумир
Или задумчивый Вампир,
Или Мельмот, бродяга мрачный,
Иль Вечный Жид, или Корсар,
Или таинственный Сбогар.
Лорд Байрон прихотью удачной
Облек в унылый романтизм
И безнадежный эгоизм
.

Впрочем, резкие контрасты между героями и сценами «Евгения Онегина», сжатое и драматичное действие, а также остроумные авторские ремарки, которые сделали текст поэмы таким очаровательным, Пушкин явно позаимствовал из приемов Байрона.

Читайте также:

Михаил Лермонтов

Михаил Лермонтов. Нападение. Сцена из кавказской жизни. 1837. Музей-заповедник «Тарханы», Пензенская область, село Лермонтово

Эжен Делакруа. Смерть Сарданапала. 1827. Лувр, Париж, Франция

Михаил Лермонтов. Перестрелка в горах Дагестана. 1840-1841. Музей-заповедник «Тарханы», Пензенская область, село Лермонтово

Молодой Лермонтов также был большим поклонником лорда Байрона. Он даже называл себя «не Байроном, а другим, неведомым избранником… с русскою душой».

…Я молод; но кипят на сердце звуки,
И Байрона достигнуть я б хотел;
У нас одна душа, одни и те же муки;
О если б одинаков был удел!..

Ранние романтические поэмы Михаила Юрьевича: «Черкесы», «Кавказский пленник», «Корсар», — безусловно, были написаны под влиянием Байрона. Типично байроновские темы мести, любви и смерти, в центре которых был гордый и замкнутый герой, противопоставленный окружению, стали очень близки Лермонтову, что отразилась в его поэмах «Измаил-Бей», «Хаджи Абрек», «Боярин Орша», «Мцыри».

Чарльз Николс. Прощание Конрада и Медоры. 1-я. пол. XIX в. Частная коллекция

Эжен Делакруа. Битва Гяура и Хасана. 1828

Константин Маковский. Тамара и демон. 1889. Серпуховский историко-художественный музей, Московская область

Демон из одноименной поэмы Михаила Юрьевича стал одним из лучших образов галереи байронических персонажей. В нем сочетались тоска по недостижимому высокому идеалу, вечное одиночество, бунт, фатальная невозможность счастья. Многие литературоведы полагали, что на написание «Демона» Лермонтова вдохновил Люцифер из мистерии Байрона «Каин».

Однако, повзрослев, Лермонтов переосмыслил значение байронических героев в культуре. Так, в романе «Герой нашего времени» Грушницкий, изображавший из себя разочарованного и пресыщенного гордеца, был откровенной пародией на все байронические образы. А вот Печорин, главный герой романа, стал одним из ранних примеров типичного для русской литературы «лишнего человека». Это был тот же герой Байрона, но на этот раз лишенный романтического ореола. Лишние люди русской классики, как правило, обладали незаурядными способностями, но уже в молодом возрасте ощущали глубокую душевную усталость, не были способны держать слово и испытывали тягу к саморазрушению.

От Аполлона до денди: идеальные мужчины разных эпох

Народы Месопотамии (шумеры и ассирийцы, а позже персы) в мужчине ценили в первую очередь храбрость и физическую мощь. Дошедшие до нас барельефы представляют богов, царей и воинов как могучих мужчин с накаченными мускулами, обладающих несокрушимой силой и способных выйти в одиночку против льва. Если судить по этим изображениям, то жители Междуречья были коренастыми грузными мужчинами с крючковатым носом, уложенной темной курчавой шевелюрой и такой же бородой. При этом отдельные пряди бороды завивали в трубочки и укладывали плотными рядами.

Благородные мужи, а уж тем более правители, носили богатые помпезные одежды и украшения, когда-то поразившие Александра Македонского. Волосы убирали в сетку, скрепляли их на затылке заколкой или связывали цветными лентами, а свою драгоценную бороду часто прятали в особый футляр. Кроме того, у древних персов было принято чернить брови и румяниться, а некоторые мужчины носили накладные бороды и парики.

Самый известный житель Междуречья шумерский царь Гильгамеш, чье имя дошло до нас сквозь века благодаря одному из старейших в мире литературных произведений – «Эпосу о Гильгамеше».

«Он прекрасный, сильный, он мудрый,
Божество он двумя третями, человек лишь одною,
Его тело светло, как звезда большая,
Но не знает он равных в искусстве мученья
Тех людей, что его доверены власти».

«Эпос о Гильгамеше», перевод Николая Гумилева.

Рыцарь

В средневековой Европе идеалом мужчины был рыцарь – прекрасный воин, чья мужественная внешность сочеталась не только с физической силой и храбростью, но и хорошими манерами и галантностью, предписанной кодексом чести. Немаловажной частью идеального мужского образа в тот период становится одежда и, конечно, доспехи – самая важная часть рыцарского костюма. В Средние века мужской костюм начинает все больше укорачиваться, тогда же появляется и «прототип» штанов: шоссы – узкие облегающие штаны-чулки из эластичного сукна.

© Public Domain

Неизвестный немецких художник. Портрет рыцаря. Около 1540 года (Аугсбург)

Но главным для рыцаря была красота не физическая, а духовная. Рыцарь — в первую очередь слуга своего сюзерена, защитник слабых, детей и женщин. В эту эпоху возникает культ «прекрасной дамы», оказавший влияние на отношение к женщине всех последующих поколений.

Средневековый автор Э. Дешан перечислял следующие условия, которые необходимо выполнять тем, кто желает стать рыцарем: «… [рыцарь] должен начать новую жизнь, молиться, избегать греха, высокомерия и низких поступков. Он должен защищать церковь, вдов и сирот, а также заботиться о подданных. Он должен быть храбрым, верным и не лишать никого его собственности. Воевать он обязан лишь за правое дело. Он должен быть заядлым путешественником, сражающимся на турнирах в честь дамы сердца; повсюду искать отличия, сторонясь всего недостойного; любить своего сюзерена и оберегать его достояние; быть щедрым и справедливым; искать общества храбрых и учиться у них, как совершать деяния великие, по примеру Александра».  

Идеалы рыцарства нашли отражение и в литературных произведениях, таких как «Песнь о Роланде» или «Песнь о Нибелунгах», сказаниях древних германцев или франков, а также в живописных произведениях, в том числе и более позднего периода. Особую любовь к изображению средневековых сюжетов питали прерафаэлиты: так, Джон Рёскин выдвигал в качестве идеала работы мастеров средневековья и Раннего Возрождения. Герои «темных веков», в первую очередь король Артур и рыцари Камелота, появлялись на полотнах Данте Габриэля Россетти, Уильяма Морриса и других. Английский художник Артур Хакер, которого также относят к прерафаэлитам, на одной из своих работ изобразил Парсифаля – героя средневековых эпосов, чье имя толкуют как девиз рыцаря. Старофранцузское Perceval можно перевести как «пронзи долину». Жизнь же рыцаря направлена на познание смысла «земной долины», которую надо пройти, чтобы достичь высот духа.

© Public Domain

Артур Хакер. Парсифаль с чашей Грааля. 1984 год

Человек эпохи Возрождения

Человек эпохи Возрождения, или как часто говорят «универсальный человек», «эрудит» или «полимат», хорошо образован и интеллектуально развит, его интересы не ограничиваются одной областью, а способности высоки настолько, чтобы овладеть мастерством в разных сферах знаний. Внешняя мужественность и гордая осанка, впрочем, были по-прежнему в чести. Джулиано Медичи, правивший вместе с братом Лоренцо, прозванным Великолепным, Флоренцией в середине XV века, по мнению современников, отличался удивительной красотой. До наших дней дошло несколько изображения Джулиано Медичи, погибшего во время заговора в возрасте 25 лет. Самое известное из них – живописный портрет кисти Сандро Ботичелли, датированный приблизительно 1475 годом, хотя некоторые историки сомневаются в том, что на картине изображен именно он.

© Public Domain

Сандро Боттичелли. Портрет Джулиано Медичи. 1475 год

Эпоха Возрождения в искусстве стала возвращением к идеалам Античности и поиском правильных пропорций в изображении человеческого тела. Каноническим в этом отношении можно считать рисунок Леонардо Да Винчи, к которому более чем подходит термин «человек эпохи Возрождения». Иллюстрация из книги, посвященной трудам Витрувия, изображает фигуру мужчины в двух позициях, а пояснения к рисунку гласят, например, что размах рук человека равен его высоте, а расстояние от подбородка до носа составляет 1/3 длины его лица.

Наиболее выдающимся мужским образом той эпохи можно считать мраморную статую Давида работы Микеланджело Буонаротти. Хотя специалисты по анатомии отмечают, что скульптор намеренно исказил некоторые пропорции для достижения художественной выразительности, впечатление, которое производила скульптура на современников Микеланджело и производит на нас сейчас, возводит образ, созданный 26-летним автором, в статус абсолютного культа красоты.

© AFP/Vincenzo Pinto

Микеланджело Буонаротти. Давид. 1501-1504 годы

Галантные кавалеры

Эпоха барокко, название которой переводится как «распущенный», «склонный к излишествам», наложила свой отпечаток и на идеалы красоты, в том числе мужской. Эталоном в то время становится галантный придворный, который должен был непременно уметь танцевать, отлично стрелять, фехтовать, скакать на лошади и быть внимательным кавалером. Начало XVII века эпоха расцвета французской монархии, неудивительно, что воплощением новых идеалов стал французский монарх Людовик XIV де Бурбон, более известный как «король-солнце».

© Public domain

Шарль Лебрен. Портрет Людовика XIV («Короля-солнца»). 1661 год

Придворные того времени во всем старались подражать сюзерену, а французская мода, в том числе и в одежде, распространилась по всей Европе. Рыцарские доспехи средневековых придворных сменились кружевами, причем не только в нарядах благородных дам, но и кавалеров, которые украшали ими воротники, рукава, фалды камзолов и даже отвороты сапог. Цветные шелковые чулки, яркие подвязки, широкополая фетровая шляпа, украшенная страусовыми перьями… Носили их и гражданские, и военные, и мушкетеры короля, и гвардейцы кардинала.

Но шляпа была не просто головным убором, но своеобразным инструментом, с помощью которого придворный мужчина выражал тончайшие оттенки своего отношения к тем или иным особам. Каким образом человек снимал шляпу, как держал ее в руке, каким жестом сопровождал поклон, насколько низко она опускалась — все принималось во внимание окружающими. Умение «владеть шляпой» говорило о степени воспитанности мужчины.

© Public domain

Антонис ван Дейк. Портрет лорда Джона Стюарта и его брата лорда Бернарда Стюарта

В моде были длинные волосы, и часто голову придворного покрывала не только шляпа, но и объемный завитый парик (отдаленно напоминавший «накладные шевелюры» древних персов, речь о которых шла выше).  Впрочем, и без париков прически представителей дворянства поражали своим разнообразием. Одной из самых популярных была прическа «а-ля Каденетт», названная в честь герцога Каденетта (Cadenet, но это слово cadenette означает еще и «косичка») впервые продемонстрировавшего ее публике. Представляла она собой одну или две пряди – «любовные» локоны — или косы, перехваченные лентой и непременно того цвета, который любила дама сердца. Если в предыдущие века растительность на лице определялась не модой, а гигиеническими или религиозными соображениями, то во времена барокко мужчины впервые начинают не просто отращивать усы или бороду, а отращивать их по правилам. Самой модной бородкой этого времени считается «муш» — маленький пучок волос под нижней губой. Затем, подражая Людовику XIV, французские придворные начали носить  и усики «шевалье» с завитыми концами. Ухоженные усики и бородки считались символом аристократизма.

© Public domain

Питер Пауль Рубенс. Портрет герцога Бекингема. 1625 год

В XVIII веке, когда в моду вошла седина и следствием этого стали напудренные парики с уложенными буклями и косичками, без такого ни один приличный дворянин не смел появиться в обществе.

© Public domain

Александр Рослин. Портрет графа Александра Кирилловича Разумовского. 1776 год

Бравый военный

Начало XIX века, время наполеоновских войн, охвативших Европу. Умы же барышень того времени были захвачены теми, кто ведет эти войны.

© Public domain

Франц Ксавье Винтерхальтер. Портрет Эдуарда Андре. 1857 год

Военная карьера часто была единственной возможностью для обедневших дворян подняться по социальной лестнице. Офицеры кружили головы сестрам Беннет в романе Джейн Остин «Гордость и предубеждение» (уж она-то знала все чаянья девушек своего времени), а русский гусар со времен императора Александра I  стал и вовсе образом идеализировано-комическим. Эпоха романтизма тоже наложила свой отпечаток, гусары в глазах барышень того времени – это те же рыцари, храбрые герои с нежными сердцами, которые писали стихи в альбомы девушек «перед тем как отправиться на войну».

Так, например, писатель Александр Грибоедов в молодости записался в гусарский полк на всеобщей волне патриотизма и юношеского увлечения внешней стороной военной жизни. Образ «вояки-ловеласа» нашел отражение в литературе и искусстве — таковы, например, Анатоль Курагин, с которым бежала Наташа Ростова, или соблазнитель мистер Уикхем из романа Остин. Виной подобной славы стали то ли яркие мундиры, притягивавшие девушек, то ли горячий нрав их обладателей.

Превыше всего для героя были достоинство и честь. И хотя в это время «дуэльная лихорадка» XVIII века начала спадать, а власти вводили запреты на поединки, в глазах общества настоящий мужчина по-прежнему должен был смывать оскорбление кровью.

Правила и этикет русской дуэли >>

Денди

Классическое искусство — идеальная форма, копия, иллюзия

В энциклопедии Плиния Старшего «Естественная история », написанной в I веке нашей эры, он рассказывает историю художника Протогена. Пытаясь запечатлеть пену вокруг собачьей пасти, Протоген так расстроился, что швырнул губку в полотно. Полученное впечатление создало именно тот вид, который он хотел.

«Для Плиния, — говорит Верити Дж. Платт, Classics/History of Art, — это становится чудесным архетипом того, как природа сама является художником.Человек-художник — невольный агент природы, борющийся с сырьем, а также формируемый его свойствами и доступностью. Плиний использует это, чтобы передать материальную природу живописи и сложные отношения между природой и культурой».

По словам Платта, материальность классического искусства часто игнорируется или недооценивается. Арт-объекты трактуются как статичные изображения, оторванные от материи и понимаемые в соответствии с тем, что они представляют. Платт, изучающий древние теории репрезентации и отношения между изображением и текстом, исследует, как древние писания об искусстве предлагают иную точку зрения.

«Мы пытаемся понять первоначальный культурный резонанс таких объектов, осознавая привносимые в них постантичные линзы, которые постоянно меняются», — говорит Платт. «Этот процесс способствует большему самосознанию в попытке понять прошлое. Слишком часто древний мир рассматривается как прямой предшественник западной культуры, который понимается только в соответствии с более поздними моделями мышления и практики».

Что такое искусство в древней культуре? Каково его отношение к материальному миру?

Платоновская идея мимесиса представляет собой иерархию представлений.Возьмем, к примеру, диван. С точки зрения Платона, это идея ложа, идеальной формы. Кушетка ремесленника является копией этой формы. Таким образом, картина с изображением ложа мастера дважды удалена от идеальной формы — своего рода иллюзия. Самой истинной формой является идея — абстрактная и нематериальная.

«О древних формах репрезентации часто говорят в терминах платоновской идеи мимесиса, но в древнем мире существовало множество различных философских школ, — говорит Платт. «Некоторые из них, как стоицизм, поддерживали формы материализма.Некоторые из самых ранних произведений об искусстве эллинистического и римского периодов находились под сильным влиянием стоических моделей восприятия и репрезентации».

Разделы по истории искусств в 37-книге Плиния « Естествознание » демонстрируют этот стоический подход к материи. Последние четыре книги этого невероятного проекта посвящены камням, металлам, земле и драгоценным камням. «В каждой книге есть раздел, посвященный истории искусства в горшках. Таким образом, бронзовая скульптура входит в книгу металлов, живопись — в книгу земли, которая концентрируется на пигментах», — объясняет она.«Эти хронологии создания произведений искусства, по сути, встроены в материаловедение. Таким образом, история искусства начинается как часть естественной истории — с богатыми и сложными представлениями об отношениях между искусством и окружающей средой».

Подобно рассказу о собаке и губке, отрывки, которые Платт изучает для своей находящейся в стадии разработки книги «За пределами Экфрасиса: придание объектам значения в классической античности», не описывают готовое произведение искусства, а скорее рассказывают историю о том, как искусство сделано. «Вместо этой идеи статического описания они рассказывают вам о процессе или фактуре», — говорит Платт.«Одним из примеров является описание незаконченных картин Плинием. Он говорит, что они более почитаемы, потому что мы видим следы мысли художника и его руки».

Платт продолжает: «Это более физически обоснованный взгляд на то, как возникают предметы искусства. Для Платона мир становления меньше мира бытия и идеальных форм. Но в рамках стоической модели становление — это все, что есть — становление, фактура и материальность — все вместе».

Платт обнаружил связи между разделами Плиния по истории искусства и другими книгами в «Естественной истории» , связи, которые еще больше говорят о том, как искусство встроено в материальный мир.«Губка, например, вы найдете губки в части, посвященной морским животным, и в части materia medica , вещах, используемых для лечения», — объясняет она. «Вы находите важные связи между этими ссылками и тем, как губка используется в разделе живописи. И это имеет всевозможные последствия для того, как мы можем думать о том, что такое искусство и его связь с материальным миром».

Весной 2018 года Платт продолжит изучение преемственности искусства и материального мира в качестве научного сотрудника Корнельского центра Аткинсона по устойчивому будущему.Она будет работать над идеей истории эко-искусства, исследуя, как текст Плиния и другие древние работы могут способствовать экосознательному, устойчивому мышлению, творчеству и действиям в настоящем.

Обрамление изображения: что это значит в классическом искусстве

«Он действительно сосредоточен на том, как изображения ограничиваются, обрамляются, поддерживаются, обрамляются, и на всех тех аспектах представления изображения, которые мы часто игнорируем».

В другом проекте Платт вместе с Майклом Сквайром (Королевский колледж, Лондон) утверждает, что обрамление, как буквальное, так и историческое, произведения искусства необходимо для его понимания. Она и Сквайр представляют этот подход к классическому искусству в отредактированной антологии The Frame in Classical Art: A Cultural History (Cambridge University Press, 2017).

«Он действительно сосредоточен на том, как изображения ограничиваются, обрамляются, поддерживаются, обрамляются — на всех тех аспектах представления изображения, которые мы часто игнорируем», — говорит Платт. «Это также идеи о том, что такое рама, которые основаны на эстетике восемнадцатого века, идее станковой живописи, художественной галереи и музеев.Нам нужно разобрать это, чтобы посмотреть, что искусство делало в древнем мире».

Платт приводит в пример старинную напольную мозаику, известную своими декоративными бордюрами и искусно выполненными центральными элементами, называемую эмблемата . Эмблемата была более детализирована, сделана из цветных плиток меньшего размера и часто отображала мифологическую сцену.

«Есть замечательные образцы лабиринтной мозаики, в которой Тесей и Минотавр находятся посередине, а декоративная рамка представляет собой лабиринт, через который Тесей должен пройти», — говорит Платт. «Хотя вы можете подумать, что рамка является декоративной или дополнительной, на самом деле она важна для того, как вы читаете центральное изображение. Каркас активно участвует в общей работе».

Идея фрейма может выходить за рамки физического. Это может относиться к контексту. «Это более динамичный способ осмысления исторических контекстов, — говорит Платт. «Одно из критических замечаний по поводу контекста заключается в том, что звучит очень инертно, когда вы помещаете объекты в контекст, как будто контекст не меняется, но если вы думаете об объектах в поведении и ритуалах как о фреймах, то фрейминг — это действие.Это нечто подвижное, выполняемое отдельными группами и отдельными лицами и меняющееся со временем».

Коллекция Cornell Cast, предметы жизни и учебы

Одна из вещей, которые Платт ценит в Cornell, — это приверженность материалам и сохранению. Как куратор Корнеллской коллекции актеров вместе с Аннеттой Александридис, специалист по истории искусства/классики, Платт может засвидетельствовать это. Коллекция, составленная в конце девятнадцатого века, включает слепки древнегреческой, римской, египетской и средневековой скульптуры.

«Такие вещи, как коллекция актеров и другие учебные коллекции в кампусе, демонстрируют приверженность делу жизни и учебе», — говорит Платт. «Это сочетание интеллектуальной и материальной подкованности имеет основополагающее значение для того, чем я занимаюсь вместе со многими коллегами-гуманитариями в Корнелле».

Подборка слепков выставлена ​​в кампусе — это всего лишь один пример того, как прошлое проявляется в настоящем. В классе Платт хочет дать учащимся инструменты, позволяющие более точно увидеть прошлое.

«В классическом искусстве сочетание близкого знакомства и отдаленности представляет собой постоянную проблему. Как мы можем преодолеть разрыв во времени, чтобы понять культуру прошлого на ее собственных условиях, сохраняя при этом самосознательную критическую дистанцию?» — спрашивает Платт. «Греко-римская культура по-прежнему очень актуальна для наших представлений о правительстве, эстетике, этике, нашем отношении к миру природы, но она также была существенно другой. Попытка понять и просмотреть более свежие предположения — это своего рода укрепляющее интеллектуальное упражнение.”

По словам Платта, это широкий проект истории искусства и классики как дисциплин. «Мы пытаемся сохранить прошлое живым и актуальным таким образом, чтобы обеспечить некую преемственность, — объясняет она, — в то же время способствуя богатству и разнообразию наших сообществ и культур обучения в настоящем. В конце концов, попытка представить прошлое не так уж отличается от размышлений о будущем. Это требует чуткого скачка воображения, в котором жизненно важно, чтобы мы все его разделяли.

Классическое искусство и архитектура — История+

Начало классического греческого и римского искусства и архитектуры

Микенское влияние 1600-1100 гг. . Цивилизация бронзового века, которая простиралась через современную южную Грецию, а также прибрежные районы современной Турции, Италии и Сирии, Микены были элитным воинским обществом, в котором доминировали дворцовые государства.

Каждое дворцовое государство, разделенное на три класса: королевские слуги, простые люди и рабы, управлялось королем, обладавшим военной, политической и религиозной властью. Общество ценило героических воинов и делало подношения пантеону богов. В более поздней греческой литературе, в том числе в «Илиаде» и «Одиссее» Гомера, подвиги этих воинов и богов, участвовавших в Троянской войне, вошли в легенды и, по сути, были присвоены более поздними греками в качестве основополагающих мифов.

Сельское хозяйство и торговля были экономическими двигателями микенской экспансии, и оба вида деятельности были усилены инженерным гением микенцев, поскольку они строили гавани, плотины, акведуки, дренажные системы, мосты и разветвленную сеть дорог, которые оставались непревзойденными до римской эпохи. Новаторские архитекторы, они разработали циклопическую кладку, используя большие валуны, соединенные без раствора, для создания массивных укреплений. Название циклопической каменной кладки пришло от более поздних греков, которые считали, что только циклопы, свирепые одноглазые великаны из мифов и легенд, могли поднимать камни. Чтобы облегчить тяжелую нагрузку над воротами и дверными проемами, микенцы также изобрели разгрузочный треугольник, треугольное пространство над перемычкой, которое оставляли открытым или заполняли более легкими материалами.

Микенцы первыми построили акрополь, крепость или цитадель, построенную на холме, характерном для более поздних греческих городов. Королевский дворец с центром в мегароне , или круглом тронном зале с четырьмя колоннами, был украшен яркими фресками с изображением морской жизни, сражений, процессий, охоты, богов и богинь.

Ученые до сих пор спорят о том, почему микенская цивилизация пришла в упадок, и теории включают вторжения, внутренние конфликты и стихийные бедствия. За этой эпохой последовало то, что было названо греческим темным веком, хотя оно также известно как гомеровский век и геометрический период. Термин Гомеровский век относится к Гомеру, чьи стихи повествуют о Троянской войне и ее последствиях. Термин « геометрический период» относится к стилю росписи ваз той эпохи, в котором в основном использовались геометрические мотивы и узоры.

Греческий архаический период 776-480 гг. до н.э.

Архаичный период начался в 776 г. до н.э. с учреждением Олимпийских игр. Греки считали, что спортивные игры, в которых подчеркивались человеческие достижения, отличали их от «варварских», негреческих народов. Превознесение греками микенской эпохи как героического золотого века привело к тому, что они идеализировали спортсменов-мужчин, и мужская фигура стала доминирующим предметом греческого искусства. Греки считали, что обнаженный мужчина показывает не только совершенство и красоту тела, но и благородство характера.

Греки разработали политическую и социальную структуру, основанную на полисе или городе-государстве. В то время как Аргус был ведущим центром торговли в начале эпохи, Спарта, город-государство, в котором упор делался на военную доблесть, стала самым могущественным. Афины стали первопроходцами в искусстве, культуре, науке и философии, которые легли в основу западной цивилизации. Хотя в ту эпоху господствовали тираны, царь-философ Солон стал правителем Афин около 594 г. до н. э. и провел заметные реформы.Он создал Совет четырехсот, орган, который мог задавать вопросы королю и бросать ему вызов, положил конец практике обращения людей в рабство за их долги и установил правящий класс, основанный на богатстве, а не на происхождении. Обширная морская торговля двигала греческую экономику, и Афины, наряду с другими городами-государствами, начали создавать торговые посты и поселения по всему Средиземноморью. В результате этих набегов греческие культурные ценности распространились на другие культуры, включая этрусков в южной Италии, влияя на них и смешиваясь с ними.

Фигуративная скульптура была величайшим художественным новшеством архаического периода, так как в ней подчеркивались реалистичные, хотя и идеализированные фигуры. Под влиянием египетской скульптуры греки преобразовали фронтальные позы фараонов и других знаменитостей в произведения, известные как kouros (молодые мужчины) и kore (молодые женщины), скульптуры в натуральную величину, которые впервые были созданы на Кикладских островах в 7 век до н. э. В период поздней архаики прославлялись отдельные скульпторы, в том числе Антенор, Критиос и Несиот, и их имена сохранялись для потомков.

Период поздней архаики был отмечен новыми реформами, так как афинский законодатель Клисфен установил новую политику в 508 г. до н.э., за что его прозвали «отцом демократии». Чтобы отпраздновать конец правления тиранов, он поручил скульптору Антенору завершить бронзовую статую Тиранициды (510 г. до н.э.), изображающую Гармонида и Аристогиона, убивших Гиппарха, брата тирана Гиппия, в 514 г. до н.э. . Хотя эти двое были казнены за это преступление, они стали символами движения к демократии, которое четыре года спустя привело к изгнанию Гиппия, и считались единственными современными греками, достойными бессмертия в искусстве.Заказ работы Антенора был первой художественной комиссией, финансируемой государством, и тема была настолько резонансной, что, когда работа Антенора была изъята во время персидского вторжения в 483 г. до н.э., Критиосу было поручено создать замену. «» Критиоса «Тираннициды » (ок. 477 г. до н.э.) разработал то, что было названо суровым стилем или раннеклассическим стилем, поскольку он изображал реалистичные движения и индивидуальные характеристики, которые оказали большое влияние на последующую скульптуру.

Классическая Греция 480-323 гг. до н.э.

Классическая Греция, также известная как Золотой век, стала основополагающей как для поздней Римской империи, так и для западной цивилизации в философии, политике, литературе, науке, искусстве и архитектуре.Великий греческий историк эпохи Фукидида называл полководца и государственного деятеля-народника Перикла «первым гражданином Афин». Равные права граждан (что означало только взрослых мужчин-греков), демократия, свобода слова и общество, управляемое собранием граждан, определяли греческое правительство. Перикл начал восстановление Парфенона (447-432 гг. до н.э.) в Афинах, проект под руководством его друга, скульптора Фидия, и сделал Афины самым могущественным городом-государством, расширив свое влияние на весь Средиземноморский регион.

Классическая эпоха также ознаменовалась утверждением западной философии в учениях и трудах Сократа, Платона и Аристотеля. Философия Сократа сохранилась благодаря письменным отчетам Платона о диалогах своего учителя, и Платон основал Академию в Афинах около 387 г. до н.э., ранний прототип всех более поздних академий и университетов. Многие лидеры учились в Академии, в том числе прежде всего Аристотель, и она стала ведущей силой, известной во всем мире важностью научных и философских исследований, основанных на вере в разум и знания.Хотя их философии расходились в ключевых аспектах, Платон и Аристотель сходились во взглядах на искусство как на подражание природе, стремящееся к прекрасному.

Кроме того, акцент на индивидуальности привел к более персонализированному искусству, и отдельные художники, в том числе Фидий, Пракситель и Мирон, стали знаменитыми. Погребальная скульптура начала изображать реальных людей (вместо идеализированных типов) с эмоциональным выражением, в то же время бронзовые работы идеализировали человеческую форму, особенно обнаженного мужчину. Пракситель, тем не менее, впервые представил обнаженную женщину в своем произведении Афродита Книдская (4 век до н.э.), на которое в последующие века снова и снова ссылались.

Эллинистический греческий 323-31 г. до н.э.

Смерть Александра Македонского в 323 г. до н.э. положила начало эллинистическому периоду. Накопив огромную империю за пределами Греции, которая включала части Азии, Северной Африки и Европы, и не назвав преемника, спровоцировал войну между генералами Александра за контроль над своей империей, а местные лидеры попытались восстановить контроль над своими регионами.В конце концов, три генерала договорились о разделении власти и разделили греческую империю на три разных региона. В то время как культурное влияние материковой Греции уменьшилось, Александрия в Египте и Антиохия в современной Сирии стали важными центрами эллинистической культуры. Многие греки эмигрировали в другие части распавшейся империи, «эллинизируя мир», как писал искусствовед Джон Гриффитс Педли.

Несмотря на раскол империи, большое богатство привело к королевскому покровительству искусствам, особенно скульптуре, живописи и архитектуре.Официальным скульптором Александра Македонского был Лисипп, который, работая с бронзой после смерти Александра, создал работы, которые ознаменовали переход от классического к эллинистическому стилю. Некоторые из самых известных произведений греческого искусства, в том числе Венера Милосская (130-100 гг. до н.э.) и Крылатая победа Самофракии (200-190 гг. до н.э.), были созданы в эту эпоху.

Архитектура обратилась к городскому планированию, так как города создали сложные парки и театры для отдыха. Храмы приобрели колоссальные размеры, а в архитектурном стиле использовался коринфский ордер, самый декоративный из классических ордеров.Пергамон стал жизненно важным центром культуры, известным своими колоссальными комплексами, о чем свидетельствует Пергамский алтарь (ок. 166-156 до н.э.) с его обширными и эффектными фризами. В эллинистический период греки постепенно попали под власть Римской республики, поскольку Рим завоевал Македонию в битве при Коринфе в 146 г. до н.э. После своей смерти в 133 г. до н. э. король Аттал III оставил Пергамское королевство римлянам. Хотя последовали греческие восстания, они были подавлены в следующем столетии.

Римская республика 509 г. до н.э. — 26 г. н.э.

Рим начинался как город-государство, управляемое королями, которые избирались дворянином римского сената, а затем стал республикой, когда Луций Тарквиний Гордый, последний король, был изгнан в 509 г. до н.э. Поскольку его сын изнасиловал Лукрецию, замужнюю дворянку, которая покончила с собой, Тарквиний был свергнут ее мужем, ее отцом и Луцием Юнием Брутом, племянником Тарквиния. Эта история стала одновременно частью римской истории и предметом, изображаемым в искусстве на протяжении следующих столетий.

С упразднением королевской власти в Республике была установлена ​​новая система правления во главе с двумя консулами. Поскольку патриции, высший класс, правивший Римом, часто вступали в конфликты с плебеями или простыми людьми, особое внимание уделялось городскому планированию, в том числе многоквартирным домам, называемым insulae , и общественным развлечениям, включавшим бои гладиаторов и скачки, чтобы сохранить люди счастливы, тип правления, который римский поэт Ювенал назвал «хлебом и зрелищами».«Города были спланированы по сетке, в то время как архитектура и инженерные проекты были преобразованы в результате разработки бетона в 3 rd веке. Рим был прежде всего военным государством, часто воевшим с соседними племенами в Италии в начале. Различные военные походы привели к завоеванию и разрушению Карфагена, североафриканского королевства, в трех Пунических войнах, завоевание Македонии и ее восточных территорий, а также Греции во 2 и веках до н.э. привели к географически обширной империи.

Римская культура переняла многие мифы, богов и героические истории греков, подчеркивая при этом свою собственную традицию mas majorum , путь предков, своего рода договорные обязательства с богами и отцами-основателями Рим. Греческие произведения, взятые в качестве военных трофеев, широко копировались и выставлялись в римских домах и оказали основное влияние на римское искусство и архитектуру. Возвышение Юлия Цезаря после его триумфа над галлами в Северной Европе ознаменовало конец республики, поскольку он был убит в 44 г. до н. э. несколькими сенаторами, чтобы предотвратить его провозглашение императором.Его смерть погрузила Республику в гражданскую войну, которую вел его бывший генерал Марк Антоний в союзе с Клеопатрой, царицей Египта, против сил Помпея и сил внучатого племянника и наследника Цезаря Октавиана.

Имперский Рим 27 г. до н.э. — 393 г. н.э.

Хотя убийцы, возможно, и предотвратили коронацию Цезаря как императора, в конце концов император был назван. Имперский Рим начинается с коронации Октавиана как первого императора, который стал известен как Август. За почти сорок пять лет своего правления он преобразовал город, создав общественные службы, в том числе первую полицию, пожарную службу, почтовую систему и муниципальные учреждения, а также создал системы доходов и налогообложения, которые были образцом для Империи в последующие века. Он также запустил новую программу строительства, которая включала храмы и известные общественные здания, и он преобразовал искусство, введя в эксплуатацию такие работы, как Август из Прима Порта (1 век н.э.), которые изображали его как идеального лидера в классическом стиле. восходит к Греции. Он также заказал «Энеиду» (29–19 гг. до н. э.) эпическую поэму поэта Вергилия, которая определила Рим и стала каноническим произведением западной литературы. В поэме описывается мифическое основание Рима, рассказывающее о путешествии Энея, сына Венеры и принца Трои, который бежал от разграбления Трои и прибыл в Италию, где, сражаясь и победив этрусских правителей, основал Рим.

Имперская эпоха характеризовалась монументальным величием своей архитектуры и роскошным стилем жизни, поскольку богатые резиденции были щедро украшены красочными фресками, а высший класс по всей Империи заказывал портреты. Империя закончилась разграблением Рима в 393 г. н.э., хотя к тому времени ее власть уже пришла в упадок из-за все более капризных императоров, внутренних конфликтов и восстаний в ее провинциях. Обращение императора Константина в христианство и перенос имперской столицы из Рима в Константинополь в 313 г. н.э. установили растущую мощь Византийской империи.

Классическое греческое и римское искусство и архитектура: концепции, стили и тенденции

Золотое сечение

Греки считали, что истина и красота тесно связаны, и известные философы понимали красоту в основном в математических терминах. Сократ сказал: «Мера и пропорция проявляются во всех областях красоты и добродетели», а Аристотель выступал за золотую середину или срединный путь, который ведет к добродетельной и героической жизни, избегая крайностей. Для греков красота происходила от сочетания симметрии, гармонии и пропорций.Золотое сечение, концепция, основанная на пропорциях между двумя величинами, определенная математиками Пифагором (6 век до н. э.) и Евклидом (323–283 гг. до н. э.), считалась самой красивой пропорцией. Золотое сечение показывает, что отношение между двумя величинами такое же, как отношение между большей из двух величин и их суммой. Парфенон (447–432 гг. до н. э.) использовал в своей конструкции золотое сечение и считался самым совершенным сооружением, какое только можно себе представить. Поскольку художник Фидий руководил строительством храма, золотое сечение стало широко известно под греческой буквой фи в честь Фидия.Золотое сечение оказало заметное влияние на более поздних художников и архитекторов, повлияв на римского архитектора Витрувия, принципы которого повлияли на эпоху Возрождения, как это видно из работ и теории Леона Баттисты Альберти, а также на современных архитекторов, включая Ле Корбюзье.

Греческая архитектура

Наиболее известная своими храмами прямоугольной формы, обрамленной открытыми со всех сторон колоннадами, греческая архитектура подчеркивала формальное единство. Здание превратилось в скульптуру на высоком холме, как писал искусствовед Николаус Певзнер: «Пластическая форма [греческого] храма…… предстал перед нами с более интенсивным физическим присутствием, более живым, чем у любого более позднего здания». Рим, а затем большая часть Европы и Соединенных Штатов.Различия между ордерами, возникшие в разных частях Греции и в разное время, в первую очередь основаны на различиях между самими колоннами, их капителями и антаблементом над ними.Дорический ордер является самым простым, в нем используются гладкие или рифленые колонны с круглыми капителями, в то время как элементы антаблемента добавляют более сложный декоративный элемент поверх простых колонн. Ионическая колонна использует волютов , от латинского слова «прокрутка», в качестве декоративного элемента в верхней части капители, а антаблемент спроектирован так, что повествовательный фриз простирается по всей длине здания. Поздний классический коринфский ордер, названный в честь греческого города Коринф, является наиболее декоративным, в нем используются искусно вырезанные капители с мотивом листьев аканта.

Первоначально греческие храмы часто строились из дерева с использованием столбов и балок, хотя все чаще использовались камень и мрамор. Первым храмом, полностью построенным из мрамора, был Парфенон (447–432 гг. до н. э.). Греческая архитектура также стала пионером в создании амфитеатра, агоры , или общественной площади, окруженной колоннадой, и стадиона. представлены сотни мраморных колонн.

Римская архитектура и инженерия

Римская архитектура была настолько новаторской, что ее назвали римской архитектурной революцией или бетонной революцией, основанной на изобретении бетона в 3 rd веке. Технологическое развитие означало, что форма конструкции больше не ограничивалась ограничениями кирпича и каменной кладки, и привело к новаторскому использованию арки, цилиндрического свода, крестового свода и купола. Эти новшества открыли эпоху монументальной архитектуры, как видно из Колизея и проектов гражданского строительства, включая акведуки, многоквартирные дома и мосты.Римляне, как писал историк архитектуры Д. С. Робертсон, «были первыми строителями в Европе, быть может, первыми в мире, полностью оценившими преимущества арки, свода и купола». Они первыми построили сегментную арку — по сути, сплющенную арку, используемую в мостах и ​​частных резиденциях, — расширенную арку и триумфальную арку, которая прославляла великие победы императоров. Но именно их использование купола оказало наиболее значительное влияние на западную цивилизацию.Несмотря на влияние этрусков, особенно в использовании арок и гидравлических технологий, а также греков, римляне по-прежнему использовали колонны, портики и антаблементы, даже когда технологические инновации больше не требовали их конструктивно.

Хотя о его жизни мало что известно, кроме работы военным инженером при императоре Августе, Витрувий был самым известным римским архитектором и инженером, и его De architectura ( On Architecture ) (30-15 BCE), известный как Десять книг по архитектуре , стал каноническим произведением последующей архитектурной теории и практики.Его трактат был посвящен императору Августу, его покровителю, и должен был стать руководством для всех видов строительных проектов. В его работах описывалось городское планирование, жилые, общественные и религиозные здания, а также строительные материалы, водоснабжение и акведуки, а также римские машины, такие как подъемники, краны и осадные машины. Как он писал: «Архитектура — это наука, возникшая из многих других наук и украшенная многочисленными и разнообразными знаниями». Его вера в то, что структура должна обладать качествами стабильности, единства и красоты, стала известна как Витрувианская триада.Он видел архитектуру, имитирующую природу в ее пропорциональности, и приписывал эту пропорциональность и человеческой форме, что позже было классно выражено в « Витрувианском человеке » Леонардо да Винчи (1490).

Роспись на вазе

Роспись на вазе была известным элементом греческого искусства и представляет собой лучший пример того, как греческая живопись сосредоточилась в первую очередь на изображении человеческого тела и эволюционировала в сторону увеличения реализма. Самый ранний стиль был геометрическим, с использованием узоров под влиянием микенского искусства, но быстро превратился в человеческую фигуру, стилизованную аналогичным образом. Затем последовал период «ориентализации», когда восточные мотивы, в том числе сфинкс, были приняты, чтобы за ними последовал стиль черных фигур, названный в честь его цветовой схемы, в котором использовались более точные детали и фигуративное моделирование.

Классическая эпоха разработала стиль красных фигур для росписи ваз, который создавал фигуры, четко очерчивая их на черном фоне, и позволял рисовать их детали, а не вырезать их в глине. В результате вариации цвета и толщины линий позволили получить более изогнутые и округлые формы, чем в вазах геометрического стиля.

Греческая и римская живопись

В то время как классическое искусство известно прежде всего своей скульптурой и архитектурой, греческие и римские художники внесли новшества как в фрески, так и в панно. Большая часть того, что известно о греческой живописи, получено главным образом из росписи на глиняной посуде, а также из этрусских и более поздних римских фресок, которые, как известно, находились под влиянием греческих художников, а иногда и были написаны ими, поскольку греки основали поселения в Южной Италии, где они представили свое искусство. Аид, похищающий Персефону (4 th век до н.э.) в гробницах Вергины в Македонии, является редким примером настенной живописи классической эпохи и демонстрирует повышенный реализм, который соответствует их экспериментам в скульптуре.

Римские панно и фрески сохранились в большем количестве, чем греческие. Раскопки 1748 года в Помпеях, римском городе, который почти мгновенно был погребен во время извержения Везувия в 79 году н. Тайн и Дом Трагического Поэта.Фрески привносили ощущение света, пространства и цвета в интерьеры, которые из-за отсутствия окон часто были темными и тесными. Предпочтительные сюжеты включали мифологические рассказы, рассказы о Троянской войне, исторические рассказы, религиозные ритуалы, эротические сцены, пейзажи и натюрморты. Кроме того, стены иногда окрашивали, чтобы они напоминали яркие мраморные или алебастровые панели, усиленные иллюзорными балками или карнизами.

Греческая скульптура

Под влиянием египтян греки в архаический период начали делать скульптуры в натуральную величину, но вместо того, чтобы изображать фараонов или богов, греческая скульптура в основном состояла из куроев , которых было три типа — обнаженная натура молодой человек, одетая и стоящая молодая женщина и сидящая женщина. Скульптуры, известные своим улыбающимся выражением лица, получившим название «архаическая улыбка», использовались в качестве погребальных памятников, общественных мемориалов и вотивных статуй. Они представляли идеальный тип, а не конкретную личность, и подчеркивали реалистичную анатомию и движения человека, как писал New York Times искусствовед Аластер Маколей: «Курос вне времени; он может быть готов дышать, двигаться, говорить».

В период поздней архаики несколько скульпторов, таких как Критий, стали известны и прославлены, тенденция, которая стала еще более преобладающей в классическую эпоху, когда легендарными стали Фидий, Поликлит, Мирон, Скопас, Пракситель и Лисипп.« Discobolos » Мирона, или «метатель диска», (460–450 гг. до н. э.) считается первой работой, запечатлевшей момент гармонии и равновесия. Художники все чаще обращали свое внимание на математическую систему пропорций, описанную Поликлетом в его Каноне Поликлета , и подчеркивали симметрию как сочетание баланса и ритма. Поликлет создал Дорифор ( Копьеносец ) (ок. 440 г. до н.э.), чтобы проиллюстрировать свою теорию о том, что «совершенство достигается постепенно благодаря множеству чисел.»

Большая часть оригинальных греческих изделий из бронзы была утеряна, так как ценность материала приводила к тому, что их часто переплавляли и использовали повторно, особенно в раннехристианскую эпоху, когда они считались языческими идолами. Сохранилось несколько примечательных примеров, например, Дельфийский колесничий (478 или 474 г. до н. э.), который был найден в 1896 г. в храме, погребенном под обвалом. в.460) были извлечены из моря. Самыми ранними изделиями из греческой бронзы были sphyrelaton , или чеканные листы, соединенные заклепками; однако к позднему архаическому периоду, около 500 г. до н.э., греки начали использовать метод выплавляемых восков. Для создания крупномасштабных скульптур работы отливались из различных частей, а затем сваривались вместе с инкрустацией медью, чтобы создать глаза, зубы, губы, ногти и соски, чтобы придать статуе реалистичный вид.

Наряду с круглой скульптурой греки использовали рельефную скульптуру для украшения антаблементов храмов обширными фризами, на которых часто изображались мифологические и легендарные сражения и мифологические сцены.Созданные Фидием мраморы Парфенона (ок. 447-438 гг. до н. э.), также известные как мраморы Элгина, являются самыми известными примерами. Рельефные скульптуры, созданные на метопах , или панелях, украшали фриз внутреннего зала храма и, известные своим реализмом и динамичным движением, оказали заметное влияние на более поздних художников, в том числе на Огюста Родена.

Греки также делали колоссальные хризелефантиновые статуи, или статуи из слоновой кости и золота, начиная с архаического периода. Фидий получил признание как за свою Афину Парфенос (447 г. до н.э.), статую почти сорока футов высотой, которая находилась в Парфеноне на Акрополе, так и за свою Статую Зевса в Олимпии (435 г. до н.э.), которая была сорок три фута высотой и считается одним из семи чудес света Древнего мира. Обе статуи использовали деревянную конструкцию с золотыми панелями и конечностями из слоновой кости, прикрепленными к своего рода модульной конструкции. Они были не только символами богов, но и символами греческого богатства и власти. Обе работы были уничтожены, но существуют уменьшенные копии Афины, сохранились изображения на монетах и ​​описания в греческих текстах.

Римский портрет

Многие римские скульптуры были копиями греческих оригиналов, но их собственный вклад в классическую скульптуру пришелся на портретную живопись.Делая упор на реалистичный подход, римляне считали, что изображать известных людей такими, какие они есть, со всеми их недостатками и прочим, было признаком характера. Напротив, в Императорском Риме портретная живопись обратилась к идеалистическим трактовкам, поскольку императоры, начиная с Августа, хотели создать политический образ, показывая их как наследников как классической Греции, так и римской истории. В результате греко-римский стиль развился в скульптурном рельефе, как это видно в Августе Ара Пацис (13 г. до н.э.).

Римляне также возродили метод греческой росписи по стеклу, чтобы использовать его для портретной живописи.Большинство изображений были размером с медальоны или медальоны, вырезанные из сосуда для питья. Состоятельные римляне делали из чашек для питья свой портрет из золотого стекла, а после смерти владельца портрет вырезали в круглой форме и вклеивали в стены катакомб в качестве отметки над могилой.

Одними из самых известных нарисованных римских портретов являются портреты фаюмских мумий, названные в честь места в Египте, где они были найдены, закрывавшие лица мумифицированных мертвецов.Сохранившиеся в засушливом климате Египта портреты составляют самую большую сохранившуюся группу портретных панно классической эпохи. Большинство портретов мумий были созданы между 1 веками до нашей эры и 3 веками нашей эры и отражают переплетение римских и египетских традиций во времена, когда Египет находился под властью Рима. Хотя картины и идеализированы, они демонстрируют удивительно индивидуалистические и натуралистические характеристики.

Более поздние разработки — после классического греческого и римского искусства и архитектуры

Влияние классического искусства и архитектуры невозможно переоценить, поскольку оно распространяется на все художественные направления и периоды западного искусства.В то время как римская архитектура и греческое искусство повлияли на романский и византийский периоды, влияние классического искусства стало доминирующим в итальянском Возрождении, основанном на возрождении интереса к классическим принципам, философии и эстетическим идеалам. Парфенон и Пантеон, а также сочинения Витрувия повлияли на архитектурные теории и практику Леона Баттисты Альберти и Палладио, а также на дизайн современной эпохи, в том числе на работы Ле Корбюзье.

Греческая скульптура оказала влияние на художников эпохи Возрождения Микеланджело, Альбрехта Дюрера, Леонардо да Винчи, Рафаэля и художников позднего барокко, включая Бернини.Открытия в Помпеях легли в основу эстетических теорий Иоганна Иоахима Винкельмана в 18 веке и развития неоклассицизма, как видно из скульптур Антонио Кановы. На современного скульптора Огюста Родена в первую очередь повлияли мраморы Парфенона, о которых он писал, что они «оказывали … омолаживающее влияние, и эти ощущения заставляли меня все более внимательно следовать природе в своих исследованиях». Художники от футуриста Умберто Боччони, сюрреалиста Сальвадора Дали и многогранного Пабло Пикассо до Ива Кляйна, Сэнфорда Биггерса и Бэнкси — все ссылались на греческое искусство как на источник влияния.

Классическое искусство также повлияло на другие формы искусства, поскольку на хореографию Исидора Каннингема и Мерса Каннингема повлияли мраморы Парфенона, а первой модной одеждой, представленной в Музее современного искусства в 2003 году, были Генриетта Негрин и Мариано Фортуни-и-Мадрасос. ‘ Delphos Gown (1907) шелковое платье, вдохновленное Возничим Дельф (около 500 г. до н.э.), которое было обнаружено десятилетием ранее. Легенды, боги, философии и искусство классической эпохи стали неотъемлемыми элементами последующей западной культуры и сознания.

Художники и классический идеал

Практика рисования с классических скульптур или слепков была стандартной в британских художественных школах до середины 20-го века. В других частях Европы и в США рисунок «с античности» продолжался несколько дольше, но теперь почти исчез. Борьба за художественное самоопределение в XIX веке — в реализме, прерафаэлитизме, импрессионизме, вплоть до гидроголового модернизма — ускорила падение популярности традиции рисования, устоявшейся в Италии с начала 1500-х годов.

Выставка

«Из античности: художники и классический идеал» в Музее сэра Джона Соуна в Лондоне исследует истоки и развитие этой традиции с помощью серии гравюр, рисунков и картин. Они раскрывают пересекающиеся проблемы с концепцией «идеала» и красоты, которые можно было воспринять при просмотре древней скульптуры. Выставленные в Ватикане и других общественных местах, они вызывали восхищение как у коллекционеров, так и у художников. Была создана система художественного обучения, за которой последовали последующие трактаты о вкусе и проницательности. В книгах по пропорциям красоту этих скульптур превозносили математики и философы. В академиях, основанных по всей Европе, где рисунок стал основой художественного мастерства, необходимо было продемонстрировать достаточное мастерство в переводе форм скульптуры, прежде чем ученик мог перейти к рисованию с обнаженной натуры, из чего проистекало венчающее достижение, istoria . живописное изображение религиозной и исторической тематики.

На гравюре Одоардо Филаретти, изображающей мастерскую художника ( c .1608 г.), мы видим усердных молодых студентов, изучающих скромную подборку скульптурных фрагментов, вероятно, слепков. Здесь, как и везде, скульптуры не отреставрированы, подлинно безголовые, а иногда — как в знаменитом Belvedere Torso — и без конечностей. На рисунке красным мелом (датированном 1591 годом) голландского гравера Хендрика Гольциуса очерчен сложный силуэт и мышечная масса «Торса» (вверху). В двух других работах тот же художник противопоставляет качества, обнаруженные в Аполлоне Бельведерском и Фарнезском Геркулесе , включая благоговейное внимание зрителей к его изображению. Многие античные скульптуры стали каноническими, репрезентативными как для общества, которое их породило, так и для вдохновляющей культуры Возрождения и последующих художественных периодов. Таким образом, Gladiator , Crouching Venus и Spinario , среди прочих, стали знаковыми именами для художников и туристов по всей Европе. Их присутствие было эпическим, их культурная ценность неизмерима; они стали источником визуальных цитат, их позы включены в сюжетные картины и портреты, где они расширяют или возвышают живописные повествования.

Во многих представленных здесь работах изображения живых фигур созерцают идеальные мраморные тела. Вовлеченность зрителей всегда значительна. В картине Джозефа Райта из Дерби « Академия » (1772), представленной в бархатном меццо-тинте , запечатлены различные реакции на Нимфу с Раковиной . Однако удивленный взгляд юноши с крайнего левого угла наиболее занят. Его одурманенный взгляд представляет тонкое изменение в европейском искусстве, когда внимание к таким скульптурным фигурам перешло от официального к личному, от анатомического к любовному. В последнем разделе менее знакомый из двух рисунков Тернера, изображающий борющихся мужских фигур, является особенно ярким примером упадка идеала. Воображение художника стимулировалось обучением рисованию классической скульптуры, но оно превратилось в нечто менее идеальное, ни безмятежное, ни благородное и далекое от замыслов Вазари или Винкельмана, не говоря уже о Рейнольдсе.

Увлекательная выставка, полная хорошо подобранных удовольствий. Работы из частной коллекции Катрин Беллинджер сопровождаются заимствованиями из Британского музея, Курто и Музея Тейлера в Харлеме, среди прочих.Каталог важен для преподавателей университетов, студентов и обычных энтузиастов, которые стремятся понять место рисунка в западной культуре и сохранение античности.

Нарисовано из античности: художники и классический идеал находится в Музее сэра Джона Соуна в Лондоне до 26 сентября 2015 года.

Колин Круз — преподаватель истории искусств в Университете Аберистуита. Он является автором прерафаэлитского рисунка (Thames & Hudson, 2013).

 

Искусство классического периода Древней Греции — видео и стенограмма урока

Ранняя и высокая классическая эра

Классическая эра начинается с персидского вторжения в Афины в 480 г. до н.э.Афины вышли не только победителями, но и воодушевленные своим новым положением доминирующей державы в регионе. Их экономика процветала, и они развили новые уровни математики, философии и искусства.

Одним из главных новых достижений стала архитектура. Когда их казна переполнилась, афиняне перестроили центр города, акрополь, на вершине холма посреди города. На этом месте они построили одни из величайших храмов, которые когда-либо видела Греция, включая Парфенон. Построенный с 447 по 438 год до нашей эры, Парфенон стал кульминацией предыдущих столетий архитектурного развития, отличаясь геометрически совершенными пропорциями, массивными колоннами и огромным количеством скульптуры.

Скульптура была одним из основных направлений этой эпохи. До этого греческие статуи людей были жесткими и жесткими, с небольшим количеством эмоций. Сравните это со статуей Провидца, одной из самых ранних классических статуй, первоначально украшавших храм Зевса. Это лицо с эмоциями.

Стремясь создать более реалистичные фигуры, греческие скульпторы разработали стойку Contrapposto , обеспечивающую реалистичное смещение веса.Посмотрите на эту классическую греческую фигуру. Бедро немного провисает, вес тела приходится на левую ногу, а правая нога расслаблена и слегка согнута. Именно так люди на самом деле опираются на свой вес, и это был большой прорыв в реалистической скульптуре.

Классические греческие скульпторы разработали позицию контрапоста.

Идя еще дальше, художник Поликлет разработал теорию о том, что художественная красота является результатом геометрической гармонии, а это означает, что идеальные пропорции человеческой фигуры могут быть определены математически. Теория Поликлета изменила искусство. Идеальная форма красоты, отраженная в греческих статуях, легла в основу западного искусства, воздействующего на нас и по сей день.

Поздний классический период

Афины продолжали набирать силу, со временем сформировав собственную империю, но сильно оттолкнув от себя другие греческие города. В результате Пелопоннесской войны Афины рухнули, хотя они довольно быстро восстановили себя в конце классической эры, которая длилась примерно с 400 по 323 год до нашей эры. Архитекторы в этот период разработали новый стиль храма, характеризующийся новым стилем капитала , большим камнем наверху колонны, поддерживающей структуру.Новая коринфская капитель была покрыта листвой, напоминала листву и стала эталоном для греческих храмов той эпохи.

В скульптуре греческие художники отошли от идеализированных форм ранней классической эпохи, особенно в отношении богов и героев. Вместо этого скульпторы представили эмоциональные и несовершенные фигуры. Это позднеклассическая фигура Геракла. Это не могучий герой, а победоносный, но измученный Геракл. Геракл опирается на свою дубину для поддержки, слишком уставший, чтобы стоять самостоятельно.

Скульптура поздней классической эпохи подчеркивала несовершенства и эмоции.

В качестве дополнительного изменения греческие скульпторы впервые начали изображать женщин-богинь в виде обнаженных фигур. На протяжении веков мужские фигуры изображались обнаженными, что свидетельствовало о глубоком уважении греков к человеческой форме. Однако женщины всегда были одеты. Это изменилось в конце классической эпохи, когда художники больше ценили женские формы и совершенствовали свои навыки, чтобы создать из мрамора более мягкий и женственный вид.

Резюме урока

Золотой век Древней Греции был классической эрой , периодом с 480 по 323 г. до н.э. Эта эпоха впервые началась с победы Афин над вторгшимися персами, что привело к огромному росту могущества города в ранний и высокий классический периоды. В архитектурном отношении греки усовершенствовали свои храмовые стили, кульминацией чего стало восстановление афинского акрополя и строительство массивного храма Парфенон.

В этот период скульпторы разработали стиль Contrapposto , реалистичное изменение веса человеческих фигур.Скульптор Поликлет разработал математическую модель определения идеальных эталонов красоты, оказавшую огромное влияние на западное искусство. В поздний классический период архитекторы разработали новый стиль колонны с цветочным верхом, названный коринфской колонной. Скульпторы создавали более человеческие, менее идеализированные фигуры, обладающие выразительными эмоциями и слабостями. Классическое греческое искусство было изысканным, интеллектуальным и выразительным. Но, прежде всего, это была классика.

Результаты обучения

К тому времени, когда вы закончите повторение этого урока, у вас могут быть знания, необходимые для:

  • Вспомнить контекст классической эпохи
  • Укажите нововведения в греческой скульптуре и архитектуре, сделанные в эпоху ранней и высокой классики
  • Справочник по характеристикам архитектуры и греческой скульптуры позднеклассического периода

Почему каждый мужчина должен изучать классическую культуру

Если вы уже некоторое время следите за «Искусством мужественности», вы, вероятно, заметили влияние, которое классические культуры Греции и Рима оказывают на большую часть нашего контента. Мы продвигаем идею «мужественности как добродетели», которую поддерживали обе эти древние цивилизации. И на это есть причина: в колледже я специализировался на «Письмах» — программе на получение степени, связанной с кафедрой классики. Я изучал латынь и брал уроки истории свободы как в Древней Греции, так и в Риме. Я читал и обсуждал греческие трагедии и даже прошел целый курс по Овидию. Именно в это время у меня развилась глубокая и прочная любовь к классической культуре; несмотря на то, что я закончил колледж почти десять лет назад, я до сих пор читаю и размышляю над произведениями Гомера, Платона и Цицерона.

Понимание культуры, философии и литературы древности значительно улучшило мою жизнь, и я думаю, что каждый мужчина должен хорошо разбираться в этом образовании. Даже если вы не изучали классику в средней школе или колледже, нужно сделать так, чтобы вы начали делать это прямо сейчас. Ниже приведены восемь причин, по которым каждый мужчина должен погрузиться в классику, а также список рекомендуемых произведений для начала.

1. Повышает вашу культурную грамотность.

Знаете ли вы, что это значит, когда говорят, что кто-то стоит перед выбором «между Харибдой и Сциллой»? Вы понимаете ссылку на кого-то, кто «перешел Рубикон»? Имеет ли для вас смысл слышать, как Александра Гамильтона называют «американским Цицероном»?

Западная культура пронизана отсылками к истории и литературе классической Греции и Рима.Всего лишь мимолетным намеком на древний миф или историю художник, писатель или государственный деятель могут нанести мощный риторический удар. Но для того, чтобы этот удар попал в цель, аудитория должна свободно владеть символами и идеями классической эпохи.

К сожалению, поскольку все меньше и меньше людей изучают классику в средней школе или колледже, все меньше и меньше людей способны понять значение классических аллюзий в литературе, стихах и даже фильмах. Без этого культурного знания греков и римлян эти люди упускают гораздо более богатую и глубокую интеллектуальную и эмоциональную встречу с этими произведениями. Черт возьми, даже смотреть такой фильм, как О, где же ты, брат? доставляет больше удовольствия, если вы хорошо разбираетесь в гомеровской Одиссее .

Если вы хотите, чтобы искусство и даже политика стали более яркими и важными в вашей жизни, начните изучать древнюю классику. Вы будете поражены новыми идеями, которые откроете для себя в своих любимых книгах или фильмах, и сможете лучше участвовать в содержательном диалоге с семьей, друзьями и сообществом:

2. Позволяет вам принять участие в «Большой беседе.

Когда в 1930-х годах в Чикагском университете была создана знаменитая учебная программа «Великие книги», ее целью было познакомить студентов с первоисточниками, сыгравшими фундаментальную роль в формировании западной мысли и культуры. Президент университета Роберт М. Хатчинс хотел, чтобы американцы могли принять участие в том, что он назвал «Великой беседой». Для него этот универсальный диалог состоял из глубоких дискуссий, которые формируются вокруг философского поиска Истины, начавшегося с древних греков и продолжающегося сегодня.

Темы Великого Разговора касаются Больших Идей, над которыми философы, теологи и художники размышляли тысячи лет. Что такое справедливость? Что такое настоящая дружба? Что такое любовь? Что такое честь? Как вы живете хорошей жизнью?

Как и в любом обсуждении, в котором вы принимаете участие, для активного участия в Великом Разговоре вам необходимо иметь представление о том, что уже было сказано; вы не хотите быть парнем, который вскакивает и выбалтывает бессмысленные вещи.Сегодня многие люди готовы высказать свое мнение о Больших идеях жизни, не потратив времени на изучение тем обсуждений , которые им предшествовали. Они думают, что вносят свой вклад в беседу, но они отрываются, как любой, кто бросается в дискуссию, не удосужившись вставить в то, что уже было сказано, — их мысли фрагментарны, вне очереди, излишне повторяются и лишены смысла. контекст.

Чтобы «заполниться» Великим Разговором, вам нужно вернуться и прочитать древнюю классику.Например, чтобы понять каких-либо философов из 18 , 19 и 20 веков, вы должны сначала понять философию Платона и Аристотеля. Никакая философия не существует в вакууме; скорее, все философы вели продолжительный разговор друг с другом на протяжении тысячелетий, явно или неявно. И происхождение этого разговора восходит к древним Афинам. Как только вы заложите этот фундамент, оттуда вы сможете увидеть, как последовательные философы добавляли, трансформировали и опровергали то, что вышло из этого города-государства.И тогда, наконец, вы сможете начать вносить свой конструктивный вклад в Великий Разговор.

3. Позволяет увидеть взаимосвязанность идей.

Наша система образования становится все более специализированной. Мы создали искусственные барьеры между разными областями обучения. Когда вы находитесь в истории, вы в основном просто сосредотачиваетесь на истории. Когда вы изучаете физику, вы в основном сосредотачиваетесь на физике. Историк Ричард Уивер назвал это «фрагментацией» знаний.

Но когда читаешь классику, эти стены исчезают. Для древних греков и римлян все знания были взаимосвязаны. Когда вы читаете «Истории » Геродота, вы увидите, как он связывает исторические события с политической теорией, антропологией и даже географией. Платон размышляет не только об Истине, Справедливости и Красоте, но и о математике и физике. Римские стоики интересовались не только тем, как жить в гармонии с природой, но и тем, как управлять империями и взаимодействовать с людьми, с которыми вы не ладите.

Знакомство с классикой пробудило во мне стремление соединить даже самые разные темы и идеи. Мне нравится задача синтезировать эти расходящиеся концепции в последовательный и хорошо продуманный аргумент или позицию.

И вот в чем дело: по мере развития технологий и экономики, когда все больше и больше работы передается алгоритмам и компьютерам, умение устанавливать новые связи и синтезировать данные и идеи будет пользоваться большим спросом. Недостаточно быть хорошим программистом; компании могут нанимать дешевых программистов в Индии.Но программист, который хорошо разбирается в поведенческой психологии и может приписать это понимание строке кода? Это гораздо более редкий набор навыков и, следовательно, гораздо более ценный. Некоторые эксперты утверждают, что причина успеха Apple в последние два десятилетия заключается в том, что многие люди, которые там работают, особенно руководители, имеют опыт работы как в гуманитарных науках , так и в технологиях .

4. Воспитывает добродетель и нравственность.

Мы, современные люди, обычно подходим к истории и искусству с очень утилитарной, почти научной точки зрения.Нас больше интересуют фактические мелочи истории, а искусство полезно только в той мере, в какой оно нас развлекает.

Но для древних греков и римлян такие предметы имели гораздо более широкое и вдохновляющее назначение. История и искусство были не только интересны и познавательны, но и прививали добродетель и нравственность. Если вы прочитаете «Истории» Геродота, «Историю Пелопоннесской войны» Фукидида или «Жизнеописания » греческого, ставшего римским историка Плутарха, и уйдете с пониманием событий, которые произошли тысячи лет назад. назад, вы совершенно упустили из виду то, что пытались донести эти авторы. Для них история была способом научить человека жить более добродетельно. В их рассказы об истории вплетены редакционные комментарии о нравственности и аморальности решений, сделанных великими людьми в центре этих событий. Они хотят, чтобы вы смотрели на людей и нации, которые продемонстрировали превосходство, и старались подражать им, избегая при этом ошибок и оплошностей людей и наций, потерпевших неудачу.

То же самое и с греческим искусством. Греческие трагедии были не просто развлечением.Их надевали для назидания души. Трагедии научили греков опасаться высокомерия и того, что даже величайшие из людей подвержены моральным ошибкам. Зрителям предстояло не смотреть как пассивные зрители, а испытать катарсис — снятие стресса и омоложение морального духа. Один из них заключался в том, чтобы покинуть театр с обновленной приверженностью к совершенству в качестве гражданина.

Всякий раз, когда я читаю классику, я действительно чувствую назидание. Меня вдохновляет преданность Катона республиканизму перед лицом тирании; «Орестея» Эсхила напоминает мне, как мои действия могут повлиять на грядущие поколения; Платоновская «Аллегория пещеры» побуждает меня постоянно смотреть за «тени» этой жизни; Представления Цицерона о выполнении своего долга вдохновляют меня служить своей семье, вере и стране с честью.

Теперь, конечно, найдутся скептики, которые будут утверждать, что нет никакого способа научиться добродетели и морали у древних греков и римлян, потому что это были те самые люди, которые держали рабов, занимались сексом с мальчиками и не чувствовали сомнения по поводу резни целых городов, включая женщин и детей, во время войны. Это все правда, и да, это отвратительно и отталкивающе.

Тем не менее, такая точка зрения была бы совершенно чужда культурам, которые некоторые пытаются очернить. Древние греки и римляне придерживались гораздо более тонкого и разумного взгляда на историю.Они избегали неудачной черно-белой точки зрения наших дней, в которой можно учиться только у исторических личностей, которые были почти идеальными по характеру и которые придерживались взглядов, которые непосредственно совпадают с нашими собственными, тем самым исключая возможность учиться у, хорошо , любой. Понимая двойственную природу всех людей, Плутарх извлекает как положительные, так и отрицательные уроки из жизни римского императора, которые он выделяет в своих жизнях . Древние нередко обращались к империям и городам-государствам даже своих заклятых врагов за пониманием того, как жить хорошей и добродетельной жизнью.Например, в своих «Историях » Геродот часто указывал на уроки, которые греки могли бы извлечь из персов.

Более того, когда вы читаете классиков, вы увидите, что мужчины в то время едва ли давали безоговорочный пропуск практикам, которые мы сейчас находим отвратительными. Действительно, многие регулярно боролись с моральными проблемами своего времени. Аристотелю и греческим трагикам не совсем нравилась концепция чести и порождаемая ею кровная месть, а римские государственные деятели, такие как Цицерон, считали, что лучше, чтобы на его фермах работали арендаторы, чем рабы.

Наконец, мы должны помнить, что это те самые люди, которые породили те самые идеи, которые в конечном итоге приведут к искоренению этих морально несостоятельных практик. Если бы не греческая демократия, у нас не было бы либеральной представительной демократии, которая в конечном итоге положила конец рабству на Западе.

Все это говорит о том, что, хотя эти люди определенно не соответствовали современным моральным и этическим стандартам, мы все же можем многому научиться у них, потому что они боролись с теми же основными вопросами добродетели и морали, с которыми мы боремся сегодня, — и завещали нам те самые инструменты, которые позволили нам активно с ними справляться.

5. Лучшее понимание вашего правительства и основополагающих принципов.

Как показывает историк Карл Ричард в своей книге Основатели и классики , все американские отцы-основатели были погружены в литературу и культуру древности. В детстве они изучали греческий и латынь и читали великие эпические поэмы и политические трактаты в то время, которое сейчас можно было бы назвать школьными годами. Даже в зрелом и пожилом возрасте они снова и снова возвращались к произведениям Древней Греции и Рима.Томас Джефферсон писал Джону Адамсу о своей любви к классике: «Я испытываю гораздо больший интерес к тому, что произошло две или три тысячи лет назад, чем к тому, что происходит сейчас».

Многие основополагающие принципы американского правительства были заимствованы непосредственно из принципов, принятых в древности. Во время дебатов вокруг написания и ратификации Конституции США Основатели использовали древнегреческие и римские политические тексты в качестве прецедентов для создания новой нации.Именно благодаря классикам в США существует смешанная форма правления — состоящая из исполнительной, законодательной и судебной власти. Основатели также обращались к грекам и римлянам при рассмотрении типа вооруженных сил, которые Америка должна была создать (гражданские солдаты предпочитались постоянной армии, потому что сильные исполнительные власти могли использовать постоянные армии для лишения свободы), а также ее иностранные политика (остерегайтесь запутывающих союзов).

Основатели не просто обращались к классической культуре за вдохновением для структуры американского правительства; они также использовали классиков, чтобы сообщить им о типе личного характера, который будет необходим среди граждан, чтобы этот великий эксперимент республиканской демократии увенчался успехом. Например, в то время как Основатели ненавидели жестокость и полное подавление индивидуальности древних спартанцев, они восхищались идеалом «гражданского долга» и бережливости, спасающейся от упадка, которую город-государство привил своим людям. Сэмюэл Адамс хотел, чтобы Бостон был «христианской Спартой», а Джон Тейлор прославлял мужество и патриотизм 300 спартанцев, считая их образцом для подражания для всех солдат-граждан.

Основатели надеялись, что из древних римлян американцы извлекут уроки о важности умеренности и порядочности в республике.Джеймс Уилсон утверждал, что Римская республика была успешной до тех пор, пока ее народ сохранял строгий аскетизм и чувство чести. Но как только Рим стал огромной империей, он отказался от этих ценностей ради роскоши и гедонизма, что в конечном итоге привело к его падению. Вильсон утверждал, что «судьба Рима, как в его восходе, так и в его падении, будет судьбой любой другой нации, которая последует обеим частям ее примера».

Таким образом, классики дают нам достаточно примеров — как положительных, так и отрицательных — того, как должна функционировать демократия. Они также вдохновляют нас на более высокий уровень гражданственности, показывая нам потенциал и ловушки пробуждения политического красноречия и риторики, необходимость полного участия хороших людей и необходимость наблюдения за ползучей коррупцией.

6. Дисциплинирует ум.

Читать классику бывает сложно. Тексты часто требуют от вас препоясать свои интеллектуальные чресла, если вы действительно хотите их понять и осмыслить. Но с этим умственным напряжением приходит укрепление и дисциплина ума, которые распространяются на другие аспекты вашей жизни.

Одной из причин, по которой я читаю классику, является то, что она служит моим интеллектуальным точильным камнем, сохраняя мой ум острым и острым.

7. Это весело!

Что мне нравится в чтении классики, так это то, что она никогда не устареет. Сказки и персонажи демонстрируют вечнозеленую привлекательность. Я закончил Одиссея в этом году в сотый раз, и на этот раз я нашел его более приятным, чем когда я впервые прочитал его много лет назад. Я снова начал копаться в трактатах Цицерона и получаю от них огромное удовольствие.У парня был острый ум.

Особенность классики в том, что чем больше и больше вы ее читаете, тем больше она вам нравится. По мере роста ваших знаний о классике вы сможете лучше видеть и понимать намеки классических авторов друг на друга. Более того, влияние классической литературы на вас будет меняться по мере того, как вы вступаете в разные периоды своей жизни. Будучи молодым, одиноким человеком, полным энергии и энергии, я больше всего находил отклик у Ахиллеса; но теперь, будучи женатым отцом, я больше склоняюсь к Гектору и Одиссею.Я с нетерпением жду возможности увидеть, как мое прочтение классики будет продолжать меняться по мере того, как я становлюсь старше.

8. Наполняет вас тумосом.

Древние греки считали, что душа или психика человека состоит из трех частей: разума, влечений и тумоса. Тумос олицетворял «огонь в животе» человека — его энергию, борьбу, стремление к совершенству и стремление совершать великие дела.

В наших современных языках нет настоящего слова, которое соответствовало бы греческому понятию тумос.И не зря — древние считали жизнь гораздо более эпичной и героической, чем мы. Но изучение классики может помочь обновить наше чувство тумоса и жизненную силу, с которой мы живем.

Так было и с Генри Дэвидом Торо. На протяжении всей своей жизни он был заядлым читателем классики, изучая историю, литературу и философию таких авторов, как Цезарь, Цицерон, Гораций, Ксенофонт, Демосфен, Софокл, Гомер, Сенека, Вергилий, Платон и многие другие — обычно в оригинальный греческий и латинский.Как объясняет биограф Торо Роберт Д. Ричардсон-младший, поскольку Торо считал, что те же самые силы жизни и природы, которые существовали тысячи лет назад, существовали и в его дни, он рассматривал «классику как все еще живое выражение реального мира в живой язык. Мир Илиада принадлежал ему не меньше, чем Гомеру». Следовательно, чтение классики напомнило Торо, что он может жить в нынешнем веке так же героически, как и в любой другой:

«То, что он позже напишет в Уолден , он уже чувствовал правдой. «Героические книги, даже если они будут напечатаны характером нашего родного языка, всегда будут на языке, мертвом для времен упадка.» Классика была героическими книгами, всегда живыми для тех, кто сам был жив…

Чувство природы Торо классического достижения было… два основных акцента. Во-первых, это утверждение важности и постоянства природы. В ноябре, читая Вергилия… Торо был поражен отрывками о набухающих почках на лозах и плодах, разбросанных под деревьями.Дело в том, сказал он себе, что «это был тот же самый мир». Его второе наблюдение последовало вполне естественно. Если у Вергилия был тот же мир, что и у нас, то «населяли его те же люди». Ни природа, ни человеческая природа, в сущности, не изменились со времен Вергилия до наших. Зенон и стоики учили тому же. В начале февраля 1838 года Торо заметил, что «стоик Зенон находился в точно таком же отношении к миру, как и я сейчас». И чтение Гомера еще раз убедило меня в том же. В начале марта Торо записал в своем дневнике: «Три тысячи лет, а мир так мало изменился! Илиада кажется естественным звуком, дошедшим до наших дней».

Поскольку он видел историю так, как видел, классика была не бременем… а обещанием того, чего он мог бы достичь… Провозглашая эту веру в постоянство человеческой природы и эквивалентность всех эпох — то есть любого возраста героический век для героической личности — мы приходим к тому, что, возможно, является самым важным набором убеждений для молодого Торо… Поскольку мы такие же мужчины и женщины, как те греки и римляне, которыми мы так восхищаемся, мы можем достичь не меньше, чем они сделали бы это, если бы мы только захотели… «Этот плач по золотому веку, — сказал однажды Торо, — просто плач по золотым людям.’»

Я обнаружил, как и Торо, что чтение классики наполняет меня энергией, энергией и желанием жить более героически в свое время. Когда я читаю об эпических битвах в «Илиаде » или размышляю о энергичной защите республиканизма Катоном, моя «кровь кипит от тумоса», как сказали бы греки, и я готов выйти туда и совершить великие дела.

С чего начать изучение классики

Чтобы начать изучать классику, нужно совсем немного. Просто начните их читать! Я бы рекомендовал начать с греков, а затем перейти к римлянам, поскольку они основывались на культурном наследии, полученном от их эллинистических предков.

Большинство классических текстов можно найти в Интернете бесплатно. Вот рекомендуемый список для чтения, который поможет вам начать работу. Это не исчерпывающий, но это хорошее начало.

Древние греки

Древние греки

  • и Odyssey от Homer
  • Tragevy of Eeschylus
  • Трагедии Sophocles
  • Трагедии EURIPIDES
  • Tragedies Eugripides
  • Истории от Herodotus
  • История Пелопоннесская война от Thucydides
  • диалогов Plato
  • Письмо на Menoecus и в Menoecus

    На природе вещей от Lucretius

  • AENEID by virgil
  • Работы Horace
  • История Рима
  • Metamorphoses by Ovid
  • Параллельная жизнь и Морала Plutarch
  • Германия И диалог о ораторных от TACTUS
  • Enchiridion и Discourses и MEDITATIONES
  • MEDITALS от Marcus Aurelius
  • буквы от STOIC by Seneca

Если вы ищете большой экскурсию классической культуры, я очень рекомендую две серии лекций моего любимого профессора колледжа, доктораДж. Руфус Страхи: знаменитых грека и знаменитых римлян.  Доктор Фирс оживил классическую культуру и для меня, и для Кейт  , когда мы учились в Университете Оклахомы. Это был невысокий, лысый пожилой мужчина с большим животом, но он был мастером рассказчика с заразительной жизненной силой. Он ходил по кампусу с посохом и приносил его в класс. Когда он рассказывал ужасные сцены сражений в «Илиаде», , он притворялся, что его посох был мечом, и ходил по лекционному залу, перерезая горло своим студентам, описывая яркую кровь, которая будет сочиться из их шей. .Это было потрясающе.

Доктор Фирс мастерски провел параллели между тем, что происходило в Древней Греции и Риме, и событиями, произошедшими в новейшей истории и продолжающими разворачиваться сегодня. Подобно Геродоту и Плутарху, доктор Фиерс считал, что цель истории — научить нравственности и добродетели.

К сожалению, доктор Фирс умер несколько лет назад, но вы можете купить его лекции по истории Греции и Рима в компании The Great Courses. Сделай это. Вы не пожалеете об этом.

Будь то аудиолекции, книги или и то, и другое, начните погружаться в мир Гомера и Платона, Цицерона и Марка Аврелия — это сделает вас лучшим человеком и более активным гражданином.

Греческое и римское искусство — Студенты | Britannica Kids

Введение

© Alfredo Dagli Orti—REX/Shutterstock.com

Искусство древних греков и римлян называют классическим искусством. Это имя также используется для описания более поздних периодов, когда художники искали вдохновение в этом древнем стиле. Римляне научились скульптуре и живописи в основном у греков и помогли передать греческое искусство более поздним векам. Классическое искусство обязано своим прочным влиянием своей простоте и разумности, своей человечности и чистой красоте.

Первый и величайший период классического искусства начался в Греции примерно в середине V века до н.э. К тому времени греческие скульпторы решили многие задачи, стоявшие перед художниками в период ранней архаики. Они научились изображать человеческую форму естественно и легко, в действии или в состоянии покоя. Однако их интересовало главным образом изображение богов. Они думали о своих богах как о людях, но более величественных и прекрасных, чем любое человеческое существо. Поэтому они пытались изобразить идеальную красоту, а не какого-то конкретного человека.Их лучшие скульптуры достигали почти богоподобного совершенства в своей спокойной, упорядоченной красоте.

У греков было много прекрасного мрамора, и они свободно использовали его как для храмов, так и для своих скульптур. Однако их не удовлетворяла его холодная белизна, и они раскрашивали как свои статуи, так и свои здания. Некоторые статуи были найдены с сохранившимися яркими цветами, но большинство из них потеряли свою краску в результате воздействия погодных условий. Произведения великих греческих живописцев полностью исчезли, и мы знаем только то, что нам о них рассказывают древние писатели.Парразий, Зевксис и Апеллес, великие художники 4 века до н. э., были известны как колористы. Полигнот в V веке был известен как рисовальщик.

К счастью, у нас есть много образцов греческих ваз. Некоторые сохранились в гробницах; другие были обнаружены археологами в других местах. Красивые украшения на этих вазах дают нам некоторое представление о греческой живописи. Они являются примерами прекрасного чувства формы и линии, которое сделало греков лучшими в области скульптуры.

Самые ранние вазы, изготовленные примерно с 12 по 8 век до н.э., были расписаны коричневой краской в ​​так называемом геометрическом стиле. В общий узор вписывались палочкообразные фигуры людей и животных. В следующий период фигуры людей и богов стали более реалистичными и стали рисоваться черной краской по красной глине. В 6 веке до н.э. фигуры оставили красным, а фон закрасили черным.

К 8 веку до н.э. греки стали мореплавателями и начали посещать другие земли.В Египте они увидели много прекрасных образцов как живописи, так и скульптуры. В Малой Азии их впечатляли огромные вавилонские и ассирийские скульптуры, изображавшие повествовательные сцены.

Ранние греческие статуи были жесткими и плоскими, но примерно в 6 веке до н.э. скульпторы начали изучать человеческое тело и прорабатывать его пропорции. В качестве моделей у них были лучшие молодые спортсмены. Греки не носили одежды, когда занимались спортом, и скульптор мог наблюдать их красивые, сильные тела в каждой позе.

Греческая религия, греческая любовь к красоте и растущий дух национализма находили все более полное выражение. Но понадобился кризис персидского вторжения (490–479 гг. до н. э.), чтобы пробудить молодую, мужественную расу к великим свершениям. Изгнав захватчиков, греки вдруг, в V веке, достигли своего полного расцвета. То, что разрушили персы, греки принялись восстанавливать. Их поэты воспели славу новой эпохи, и греческий гений, явленный в великих творениях в Афинах, достиг полной силы и красоты.Именно тогда, при Перикле, афинский Акрополь был восстановлен и украшен бесподобными Парфеноном, Эрехтейоном и другими прекрасными зданиями. Прекрасные храмы были и в других городах Греции, особенно в храме Зевса в Олимпии, которые известны по описаниям древних писателей и по нескольким фрагментам, обнаруженным в последнее время. (Информацию о греческой архитектуре см. в архитектуре .)

© Marie-Lan Nguyen

V век до н.э. был прославлен в скульптуре также благодаря работам трех великих мастеров, все из которых известны сегодня в той или иной степени по сохранившимся работам.Мирон известен смелостью, с которой он фиксировал в бронзе моменты насильственных действий, как, например, в его знаменитом «Дискобол », или «Метатель диска». Прекрасные копии сейчас есть в Мюнхене и в Ватикане, в Риме. Doryphorus , или Копьеносец Поликлита, древние называли Правилом, или проводником в композиции. Считалось, что Копьеносец идеально повторяет истинные пропорции человеческого тела.

Великий Фидий

Величайшее имя в греческой скульптуре — имя Фидия.Под его руководством были спланированы и выполнены скульптуры, украшающие Парфенон. Некоторые из них, возможно, были делом его рук. Его великими шедеврами были огромная статуя Афины из золота и слоновой кости, которая стояла в этом храме, и аналогичная статуя Зевса в храме в Олимпии. Они исчезли. Часть его великого гения можно увидеть в остатках скульптур фронтонов и фризов Парфенона. Многие из них хранятся в Британском музее. Они известны как мраморы Элгина.Лорд Элгин привез их из Афин в 1801–1812 годах.

Скульптуры Парфенона

Эти скульптуры являются величайшими произведениями греческого искусства, дошедшими до наших дней. Фриз проходил декоративной лентой по верху внешних стен храма. Это 3 фута 3 1 / 2 дюймов в высоту и 524 фута в длину. Сюжет — церемониальное шествие Панафинейского праздника. Фигуры представляют богов, жрецов и старейшин; жертвоприношения и жертвенный скот; солдаты, дворяне и девушки.Они выделяются низким рельефом на недетализированном фоне. Все живо и красиво составлено в пределах узкой полосы. Лошади и их наездники особенно грациозны. Их тела, кажется, устремляются вперед в ритмичном движении.

Вокруг портика над колоннами было 92 почти квадратных панели, известных как метопы. На каждой панели изображены две фигуры в бою.

На восточном и западном треугольных фронтонах располагались группы фигур, признанных величайшими образцами монументальной скульптуры в мире.Наиболее искусно решена задача компоновки фигур в треугольном пространстве невысокого фронтона.

Восточный фронтон представляет состязание Афины и Посейдона за место Афин. На западном фронтоне изображено чудесное рождение Афины из головы Зевса. Использование цвета и бронзовых аксессуаров усилило красоту фронтонных групп.

Поздние греческие скульптуры

Афродита Мелоса, широко известная как Венера Милосская , представляет собой прекрасную мраморную статую, которая сейчас выставлена ​​в Лувре в Париже.О его скульпторе ничего не известно. Специалисты датируют его между 200 и 100 г. до н.э.

За работами Фидия последовали работы Праксителя, Скопаса и Лисиппа. То, что считается оригинальной работой Праксителя, статуя Гермеса с младенцем Дионисом , хранится в греческом музее. Это единственная статуя, которую можно отождествить с одним из великих греческих мастеров. Большинство этих скульпторов известны только благодаря копиям их работ римских художников. Фигура Гермеса — сильная, активная и грациозная, с лицом, выражающим благородство и сладость, — прекрасна.Так называемый сатир или фавн Праксителя, который предложил Хоторна Мраморный фавн , вероятно, является работой другого скульптора той же школы. Скульптура Праксителя менее возвышенна и величава, чем скульптура Фидия, но полна изящества и очарования. Скопас продолжил тенденцию изображать драматические настроения, придавая своим героям сильное страстное выражение. Лисипп вернулся к атлетическому типу Поликлита, но его фигуры стали легче и стройнее, сочетая в себе мужественную красоту и силу.Он был на пике своей славы во времена Александра Македонского, который, как говорят, хотел, чтобы его изобразил только Лисипп.

Алинари/Art Resource, Нью-Йорк

Период после смерти Александра известен как эллинистический. Греческое искусство во многом утратило простоту и идеальное совершенство формы, спокойствие и сдержанность, зато приобрело остроту чувств и стало более реалистичным. Двумя работами того периода являются Dying Gaul , иногда называемый Dying Gladiator , и красивый Apollo Belvedere .Группа Laocoon , на которой изображены отец и его сыновья, раздавленные змеями, иллюстрирует крайность физических страданий, представленных в скульптуре.

Знаменитой позднеэллинистической статуей является Ника или Крылатая Победа . Характерны драматический эффект ее широких драпировок и стремительное движение фигуры. В отличие от предыдущих стоящих фигур, это поза действия, дающая ощущение движения и ветра на море. Дата создания статуи оспаривается.В настоящее время его обычно помещают между 250 и 180 г. до н.э. Он был обнаружен в 1863 году на острове Самофракия и сейчас находится в парижском Лувре. При раскопках на том же месте в 1950 году была обнаружена правая рука фигуры. Греческое правительство передало его Лувру в обмен на фриз, который когда-то украшал храм на острове.

Искусство римлян

Британская энциклопедия, Inc.

С давних времен римляне чувствовали художественное влияние Греции. В 146 г. до н. э., когда Греция была завоевана Римом, греческое искусство неразрывно переплелось с римским.«Греция, побеждённая, увела в плен своего завоевателя» — так поэт выражает торжество греческой культуры над римской. Однако римляне были не просто подражателями, и римское искусство не было той упадочной формой, в которую впало греческое искусство.

В значительной степени искусство римлян было развитием искусства их предшественников в Италии, этрусков, которые, несомненно, многому научились у греков. Не были лишены оригинальности и сами римляне. Хотя их художественные формы были большей частью заимствованы, они выражали в них, особенно в архитектуре, свой практический господствующий дух.

Во 2 веке до н.э. римские полководцы начали систематический грабеж городов Греции, возвращая тысячи греческих статуй для украшения своих триумфальных шествий. Греческие художники стекались в Рим, чтобы разделить покровительство, которое было так щедро даровано благодаря богатым завоеваниям, сделанным по мере расширения римской власти. Состоятельные римляне строили виллы, наполняли их произведениями искусства на манер наших современных плутократов и призывали греческих художников или римлян, вдохновленных греческими традициями, расписывать их стены и украшать дворы скульптурами.Руины, раскопанные в Помпеях и Геркулануме, показывают нам, насколько римляне и их соседи в Италии любили украшать не только свои дома, но и предметы повседневного обихода, такие как домашняя утварь, мебель и т. д.

© CorinaDanielaObertas/stock.adobe. com© Горан Богичевич/Shutterstock.com

Но у римлян искусство использовалось не столько для выражения великих и благородных идей и эмоций, сколько для украшения и щегольства. Когда искусство стало модным, оно утратило большую часть своего духовного качества.Как они заимствовали многие элементы своей религии у греков, так и римляне скопировали статуи греческих богов и богинь. Римлянам не хватало большого воображения. Даже в одном из немногих идеальных типов, созданных ими, «Антинойе», безошибочно прослеживается греческий отпечаток. Однако в одном отношении римские скульпторы действительно проявили оригинальность; они создали множество ярких реалистичных портретных статуй. Среди дошедших до нас прекрасный бюст молодого Августа, великолепная статуя того же императора в полный рост и бюсты других известных государственных деятелей.Все они имеют как историческую, так и художественную ценность. То же самое можно сказать и о рельефах, украшающих такие сооружения, как Арка Тита и Колонна Траяна, посвященные великим событиям правления этих императоров.

В живописи — хотя и здесь они учились у греков — кажется вероятным, что римляне развили больше оригинальности, чем в скульптуре. К сожалению, как и в случае с греками, великих шедевров древней живописи больше не существует; но мы можем многое узнать из фресок, найденных в домах в Помпеях, Геркулануме и Риме.Приятный колорит, который во многих картинах все еще остается свежим и ярким, а также свобода и сила рисунка, казалось бы, указывают на то, что даже с тех древних времен Италия была родиной художников большого таланта. Портретная живопись особенно процветала в Риме, где уличных художников стало так много, что можно было написать свой портрет за несколько центов.

Хотя искусство Рима проигрывает по сравнению с искусством Греции, тем не менее оно вызывает у нас восхищение, и мы в долгу перед римлянами за помощь в передаче нам искусства греков, которые были их великими мастерами.

Почему классическое искусство всегда лучше?

18 дек Почему классическое искусство всегда лучше?

Опубликовано в 19:06 в Руководство и советы от MartAdmin

Основные характеристики классического искусства делают его популярным и улучшают внешний вид. Те основные аспекты, по которым его легко узнать и отличить от других художественных направлений.Под влиянием в своем зарождении и развитии искусства дорической, микенской и восточной цивилизаций мастера и школы классического искусства вносят свои новшества, создавая канон красоты и гармонии, представитель классического искусства в силе Запада.

Характеристики классического искусства

В своем стремлении понять природу идеи великих древних классических философов имеют большое значение для определения того, какой должна быть функция искусства.

Аристотелевский мимесис. Согласно Аристотелю, основной целью искусства должно быть подражание природе. Поэтому классическое искусство ориентируется на изучение и изображение окружающей природы.

Платонический идеал. Однако это изображение природы не есть натуралистическая и достоверная копия, а идиллическая эстетика стремится изобразить идеальную красоту и совершенство, предложенное Платоном.

Рациональное мышление. Чтобы достичь красоты и идиллического совершенства мира идей, обращаются к рациональному анализу природы.Использование пропорции и баланса элементов, для которых используются математические знания того времени, является ключевым.

Антропоцентризм. Говоря о мерах и пропорциях, гуманистическое мировоззрение ставит в центр человека и предлагает его как идеальную меру. Изучение человеческого тела благоприятствует развитию, широко представлено подробное изучение его анатомии.

Классическая мифология. Религия Древней Греции мотивирует создание искусства и ремесел для поклонения своим богам (антропоморфным и гуманизированным).Их мифология является одной из основных тем искусства и изображения спортсменов и сражений.

Техническое усовершенствование. Стремление к совершенству мотивирует художественное совершенствование, заставляя классическое искусство развиваться от своих иератических геометрических стереотипов к технической области, которая в конечном итоге позволит изображать движение или наслаждение драматическими эмоциями.

Стилистическую революцию, которую произвело классическое искусство, обычно изучают, разделив ее на несколько хорошо дифференцированных по своим особенностям этапов. Однако в этой статье упоминаются только основные общие характеристики. Продолжайте читать, как развить snom.

Что такое классицизм в искусстве?

Художественно-литературный стиль, характеризующийся возвратом к эстетическим нормам греко-римской античности, называется классицизмом. Уравновешенность и трезвость гармонируют с духом свободы, сочетающим в себе гуманистическую тенденцию, лежащую в основе его концепции духа человека.

Классицизм в различных искусствах

Как мы уже говорили, классицизм включал в себя литературу, музыку и так называемые большие искусства.Мы совершим экскурсию по различным художественным проявлениям и их представителям.

Однако подчеркнем, что некоторые источники относят произведения классицизма к так называемому неоклассическому направлению, поскольку оно аналогично последнему.

Архитектура классицизма

Многие работы расположены между произведениями раннего ренессанса, полностью классическими, оформленными в соответствии с канонами Древней Греции. Здания, стремящиеся к техническому совершенству, со строгим балансом между гармонией и совершенством.

Замечательно классическое влияние Древней Греции с преобладанием коринфского ордера. Использование антаблементов и фронтонов, а также использование полукруглой арки. Использование бочкообразных сводов или ребер, а также купола; в откровенном подражании Ренессансу.

Главные архитекторы

Хотя трудно отделить классицизм от неоклассицизма, когда мы говорим об архитектуре, мы можем выделить авторов, посвятивших себя освещению стиля классицизма.Уильям Уилкинс (1778–1839) английский архитектор, увлекающийся классическим искусством. Образец его работы — The Grange at Northington. Английский особняк удивительной красоты и элегантности, построенный в 19 веке.

Скульптура классицизма

В скульптуре влияние классицизма было меньше, чем в других искусствах, потому что она никогда не была полностью отделена от классического идеала. Он вдохновлен произведениями эпохи Возрождения, но не очень многословен, он действительно подхвачен неоклассикой.

Вдохновлен классической греко-римской полнотой. Определяет идеалы совершенства и красоты, приспосабливаемые к человеческой фигуре. Идеальный мужчина — это ваше эстетическое предпочтение. Сначала работы с небольшим количеством выражений, но они были расширены, показывая наивность, насилие и другие чувства в неоклассике.

Работы опираются на греческую историю, литературу и мифологию, становясь главной музой вдохновения для художников. Они использовали прочные и красивые материалы, среди фаворитов – белый мрамор и бронзу.

Главные скульпторы классицизма

Симон Гийен (1518–1658) — французский скульптор, получивший образование в Риме, Италия. Последователь классицизма, лепил различные надгробные памятники. Как член-основатель Королевской академии живописи и скульптуры. Позже в 1657 году он был назначен его академическим ректором. Его считают предшественником французского классицизма. Его работы включают могилу Карлотты-Катрины де ла Тремойль, жены графа Генриха I Бурбонского.

Вам может понравится

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован.